Marjical Life

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[Histoire de l'art] Dada et surréaliste.

2011-12-27T19:00:00.000-08:00

Les artistes et la guerre
Dada :

· Art et anti-art

· Le Cabaret Voltaire

· Duchamp et les ready-made

· Dada en Allemagne

Surréalisme :

· L’automatisme

· Les images oniriques

· L’abject

Ernst Ludwig Kirchner, Autoportrait en soldat, 1915 : C’est un artiste comme beaucoup d’artistes, qui va accueillir la guerre avec un certain enthousiasme. En 1914, beaucoup d’intellectuels voyaient dans la guerre une certaine de solution. Les futuristes avaient une politique très pro-guerre, mais même chez les artistes pacifiques tendent vers une tendance pro-guerre. Les artistes partent en guerre avec beaucoup d’enthousiasme mais ils retournent chez eux, démolis. Cette œuvre démontre l’état d’esprit de Kirchner après la guerre. La main coupé est la main droite, et c’est avec cette main qu’il peint.

Ernst Ludwig, Lutte (1915) et Le dîner dans un hôpital psychiatrique,(1916) : Ces toiles témoignent de la guerre. Ce sentiment de destruction est vécu chez plusieurs artistes. Dont George Grosz, Explosion, 1917

Berlin (1920) : Quartier complètement détruit après la guerre, beaucoup de gens se retrouvent sans abris, ils ont littéralement tout perdu. La prostitution devient un phénomène répandu à Berlin après la guerre. Il y a une pauvreté massive mais beaucoup d’argent circule quand même dû à la revente d’armes.

George Grosz, dessins tirés du Miroir de la bourgeoisie, 1925 : Plusieurs artistes se penchent vers un art qui est utile, plus militant. Les artistes militent contre la pauvreté, la prostitution etc.

Otto Dix, Rue de Prague, 1920 et Soldats mutilés, 1917 : Les gens arrivent de la guerre estropiés, autant au niveau physique que psychologique.

Otto Dix, Invalides de guerre jouant aux cartes, 1920 : Les artistes sont très troublés, en particulier ceux qui y sont participés.

DADA

Si plusieurs artistes sont allés a la guerre, plusieurs d’autres ont carrément refuser d’y participer. Plusieurs se sont cachés, particulièrement dans les pays neutres. Il ne faut pas oublié qu’il y a beaucoup d’artistes américains, artistes communistes qui habitent à Zürich.

Dada est un art qui fait de l’anti-art.

Ex : Portrait de Cézanne (1920), Francis Picabia. D’habitude, on s’attend à ce que l’artiste fasse l’œuvre. Ici, on a un artiste qui refuse cette virtuosité et la pratique picturale. Il se moque des artistes avant lui qui faisaient beaucoup de nature morte. La nature morte est un des genres les plus répandu à cette époque. L’artiste fait référence à l’artiste mort et à l’artiste qui copie la nature. Il critique la pratique artistique de l’époque. Le traitement ironique du langage est typique du Dada. L’art anti-art, c’est être contre les valeurs de l’époque, soit ; la virtuosité de l’artiste, le sérieux de l’œuvre d’art, la recherche esthétique, la signature de l’œuvre. Le fait de ne pas avoir signé l’œuvre, cela dévalue l’objet. Le client bourgeois qui est confronté à ce genre artistique ne serait pas près à payer pour une peluche cloué sur une toile. Le dada dévalue les valeurs artistiques de l’époque.

Dada nait à Zurich en février 1916, pendant que la guerre bat son plein. Il y a plusieurs groupes de réfractaires, réfugiés à Zurich. Ils se réunissent autour de la figure d’Hugo Ball, dans un cabaret Les artistes font des numéros de cabaret, des présentations de poèmes, des expositions d’œuvres d’arts de courant multiples. Le but du cabaret est de s’amuser et de tester des nouvelles pratiques artistiques et surtout de faire de l’art anti-art.

Hugo Ball au Cabaret Voltaire (1916) et Karawane, Poème phonique (1917) : Création de poèmes qui évitent complètement l’aspect romantique de l’époque. L’artiste dévalue son rôle le plus possible. Pour faire des poèmes, maintenant, on suggère de découper un article de journal et de brasser pour coller les mots qui ont été pigé.

Jean Arp, Collage géométrique, 1916 : Jean Arp dit qu’il est arrivé à ce résultat par hazard. Il a intervention de la chance dans son œuvre, mais l’artiste à sans aucun doute retouché la configuration.

Jean Arp, Oiseaux hippiques et Portrait de Tristan Tzara, 1916 : Il y a intervention de l’artiste, en faisant les gribouillis, il choisi le menuisier qui font les pièces et c’est lui-même qui assemble l’œuvre. Toutefois, on peut comprendre qu’il y a tout de même des aspects incontrôlables dans le processus artistique. L’artiste essai le plus de possible de se retirer du processus artistique.

Ces idées voyagent rapidement, grâce aux revues, dont celui du Cabaret Voltaire. Il y a plusieurs artistes qui correspondent avec leurs amis qui se trouvent dans d’autres pays. Un des fondateurs du dadaïsme américain, est Marcel Duchamp. Il commence en même temps des dadaïstes, bien qu’il ne soit pas à Zurich.

Jeune homme triste dans un train, 1911, Nu descendant un escalier : Ses œuvres sont inspirés du cubisme et du futurisme. Ses œuvres sont plutôt uniques de celle que Duchamp va exposer en 1913. Le roi et la reine entourés par des nus vites, 1912. Avant la fin du 19^e siècle, c’était rare que les œuvres étaient titrés. Les premiers titres sont donnés aux œuvres par des critiques ou par des marchands. Le titre devient un outil commercial. Marcel Duchamp est un des premiers à donner des titres à ses œuvres. Ils servent à donner une charge ou indiquer un mode de lecture. Esthétique mécano-morte : Marcel Duchamp utilise ses aspects d’une manière sexuelle. Pourtant, l’œuvre fait allusion a des bouts de machinerie. Et cela choqua grandement les américains. Le passage de la vierge à la mariée, 1912 : Le traitement mécano-morte d’une scène de nu, fut jugé d’hyper déplacée. La broyeuse de chocolat, 1913, 1914,1920 : Ici, Duchamp étudie les formes mécaniques et industriels. Il s’intéresse à des engrenages, à des mécanismes. Ces éléments là, se réunissent dans l’œuvre majeur de Duchamp.

La mariée mise à nu par ses célibataires, même (Le grand verre), 1915-23 et Cylindre sexe (guêpe), 1934 : L’œuvre n’est jamais fini. Le fait d’être accroché défini l’œuvre comme étant totalement ouverte, l’œuvre est constamment bouleverser par les interactions des spectateurs. Il y a plusieurs interprétations de cette œuvre ; d’abord, il y a deux zones, en haut étant la zone de la mariée. En bas, ce sont les neufs célibataires. La question du fonctionnement sexuel et du corps humain est mise à nu de façon brutale, il n’y a aucune trace de romantisme de la façon dont Ducharme représente la sexualité. Duchamp ne voulait pas finir son œuvre, il l’a laissé dans son studio jusqu’en 1923. Pendant ces années, l’œuvre est documenté par Man Ray. Élevage de poussière, 1920. Duchamp a refusé de nettoyer son œuvre lorsqu’il est le temps de la réexposer. Quand l’œuvre fut déménagé pour l’exposer, l’œuvre est tombé et le verre s’est brisé. On a demandé à Duchamp de la refaire, mais ce dernier a seulement recoller la vitre et s’est exclamé : Enfin mon œuvre est fini ! Ce que Duchamp voulait c’est que son œuvre soit soumis au hasard.

Le ready-made

C’est une œuvre qui n’est pas réalisé par l’artiste, qui refuse la virtuosité de l’artiste. Le seul travail de l’artiste est de sélectionner l’objet et de le signer. Toutefois, la signature n’est qu’ironique. Ce sont des œuvres qui devient des œuvres d’art parce que l’artiste réussi à les insérer dans le domaine de l’art. Mais qu’est-ce qu’un œuvre d’art ? Quels sont les limites de la zone artistique ? Pour qu’une œuvre d’art, deviennent de l’art, il faut que les spécialistes en art discutent pour déterminer ce qui est de l’art. (Les spécialistes étant les artistes, les musées etc.) Marcel Duchamp essai de tester les règles des pratiques artistiques en présentant Fontaine, qui se trouve à être en fait, un urinoir. Cette année là, le Salon des indépendants voulaient encourager les nouvelles tendances. Il y a vraiment quelque chose de dynamique qui se passe dans le domaine de l’art, des tendances se créent à chaque 25 secondes. En 1917, le Salon décide de ne pas mettre de jury, ils fonctionnent d’une manière différente. Ils chargent 6$, pour que tous et chacun puissent exposer leur art et promouvoir les différents styles artistiques. Duchamp avait envoyé une fontaine et a disparu. Le fait de choisir une œuvre, un objet et de la signer, transforme carrément l’aspect utilitaire ou normale de l’objet de base, l’objet devient une œuvre d’art. Les anciennes valeurs d’esthétiques sont à ce moment là, un peu dévaluer au profit des institutions, d’un échange entre les artistes. Mais aussi du travail de conception ; la conception est plus importante que le résultat. L’important c’est qu’on prenne quelque chose de banal et qu’on le conceptualise. Ces œuvres ont causés de grands débats, elles existent pour questionner, et faire réfléchir les spectateurs.

Ready-made assistés ou transformés ; il s’agit d’un assemblage d’objet. L.H.O.O.Q (1919) Il nous parle de la banalité des grands classiques de l’histoire de l’art. Duchamp prend Mona Lisa pour y dessiner une moustache et y donne un titre. Ce qui choque le public c’est que Duchamp utilise un des grands classiques de l’art.

Duchamp arrête de peindre, de faire des installations dans les années trente. Il joue aux échecs à la place. La seule installation qu’il fit dans les années trente fut les Boîte-en-valise, 1941. Il s’agit de boîtes souvenirs ;

Francis Picabia, L’œil Cacodylate, 1921 : L’œil qui pue, il s’agit d’une œuvre collaborative car il demande à pleins d’artistes de signer, et de graffiter la toile.

Man Ray, Rayographe, et Sans titre, 1922 : Mode du ready-made, il s’agit de photographie sans caméra et il s’agit d’une méthode peu contrôlable.

Jean Tinguely, Hommage à New York, 1960 : Artiste qui fait de grandes installations à l’aide d’objets mécaniques. De plus, ces œuvres, après avoir fonctionné une fois, s’effondrent et s’autodétruisent.

Le dadaïsme en Allemagne : Les artistes allemands vivent dans le contexte, où il y a beaucoup de pauvreté, de prostitution etc. Il y a un message de contestation qui est très fort dans les œuvres dada des artistes allemands. (Raoul Hausmann, L’esprit de notre temps, 1920) Les objets qui composent le visage sont tous les objets qui se mesurent ou qui se consomment. Il s’agit d’une critique des tendances sociales de son époque. IL va y voir des ready-made en Allemagne, mais aussi, beaucoup de collage. (Raoul, Hausmann, Le critique d’art, sans date) La critique est démontrée comme étant quelque chose de stupide. (Hannah Hoch, Coupe faite avec un couteau de cuisine dada dans la dernière époque culturelle de l’Allemagne, celle de la grosse bedaine weimarienne, 1919-20 et La Jolie fille, 1919) Elle s’intéressa à la critique de la situation de la femme, puisque le prostitution est un phénomène important dans l’Allemagne à cette époque.

( John Heartfield, Père et fils, dix ans plus tard, 1924) Depuis le début des années 20, le nazisme domine déjà. On critique grandement le pouvoir du nazisme.

DADA, Almanach, Richard Huelsenbeck : Les gens font une exposition, anti-exposition pour démontrer leur art dadaïste. Ce qui est intéressant ; le dispositif de l’exposition qui est transformer. Les tableaux sont accrochés un peu n’importe comment, mélangé à travers des slogans qui critiquent la société. Dans toutes les salles, on peut voir un refus du dispositif classique de disposition. Les œuvres sont accrochés les unes par-dessus les autres. On mélange les époques, les temps, le vrai, du faux.

Le surréalisme

· L’automatisme

· Les images oniriques

· L’abject

Entre 1920,1923, plusieurs des artistes qui sont associés au dadaïsme vont déménager à Paris. Ils se retrouvent dans un autre contexte. On sent déjà dans le dadaïsme, un essoufflement. Beaucoup d’autres artistes ont l’impression qu’en dévaluant l’artiste on n’arrive à rien. Ce souffle nouveau est amené par Breton qui est inspiré des écrits de Freud. La découverte de l’inconscient amène chez lui, un nouveau rapport entre l’artiste et l’inconscient. Il y a un changement dans la façon de concevoir le rôle des désirs, le rôle de pulsion dans l’activité créatrice. C’est Breton qui publie le premier manifeste du surréalisme. Les artistes se greffent ensuite à lui et sa pratique. Avec la psychanalyse, les artistes dadaïstes se joint à eux. Plutôt que toujours critiquer, ils voient dans la psychanalyse un moyen de renouveler l’art et la société par l’imaginaire. «Chère imagination, ce que j’aime en toi, c’est que tu ne pardonnes pas.» Cet imagination est associé au retour des valeurs comme l’enfance, le désir, la sexualité. Il s’agit d’une reprise de contact avec le rêve. Freud propose d’abord l’une des premières descriptions de la méthode propre à l’interprétation analytique ; il décrit la règle de l’association libre qui restera, encore aujourd’hui, l’un des piliers essentiels de la pratique psychanalytique. Au début, Freud travaille seul. Il livre alors comme sujet d’analyse plusieurs de ses propres rêves. Pour lui, les rêves constitueront la voie royale vers l’inconscient.» L’association libre est à la base des groupes automatistes. Il y a aussi la question des rêves. Il y est très difficile de faire de l’association libre avec soi-même, il se penche donc vers les rêves. La première hypothèse émise par Freud, est que dès la plus tendre enfance, est envahi par des pulsions qui sont de deux ordres ; violentes et sexuelles, dont le complexe d’Oedipe. Ces pulsions infantiles, sont refoulées très profondément. On a des désirs, des pulsions très fortes mais qui sont personnellement inavouable. La deuxième hypothèse est que ces désirs inconscients refoulés, il va falloir qu’on les exprime, sinon, on risque de souffrir de névrose. Étant trop habité par non pulsion, on peut exprimer nos désirs par l’art, par des lapsus, des symptômes psychosomatiques, par le rêve. Le fait d’exprimer nous évite de sombrer dans la folie. La troisième hypothèse ; quand nos pulsions refoulés s’expriment en rêve, nous ne sommes toujours pas capable de nous les représenter de façon réels. Notre cerveau a trouvé une façon de déguiser le contenu de nos désirs refoulés en rêve. Trois mécanismes du cerveau déguisent le contenu des désirs par le déplacement, la condensation et l’élaboration secondaire. Le déplacement est une opération qui se passe dans le rêve et qui consiste à une sorte de censure. Le motif qui est le sujet de notre désir va être transformé en autre chose de plus acceptable. Par exemple, l’excitation d’un corps nu pourra être transformée par la contemplation d’un beau paysage. Consommation sexuel, versus consommation de nourriture. La condensation est aussi un concept de censure ; quand on rêve à plusieurs éléments inconscients en même temps, le cerveau va condenser nos idées. Ex : Être en conflit avec nos parents, on rêve d’être en conflit avec une femme à barbe. L’élaboration secondaire, c’est la forme narrative du rêve, le scénario. Le cerveau organise toutes les séries d’images, il crée des liens entre les points de désirs. Les éléments les plus importants peuvent être diminués et cachés. Dans le manifeste de Breton, on fait référence à l’association libre et des rêves. Surréalisme : Automatisme psychique pur par lequel on se propose d’exprimer, soit verbalement, soit par écrit, soit de toute autre manière, le pensée, en l’absence de tout contrôle exercé par la raison, en dehors de toute préoccupation esthétique ou morale. On devrait davantage porter attention à nos rêves qu’a notre raison. Breton et les surréalistes souhaitent mettre l’accent sur l’imagination et l’inconscient. Freud voit l’art un peu comme un symptôme, d’un problème refoulé. Cadavre exquis : Jeu visuel ou littéraire inventé par les surréalistes qui consiste à composer collectivement une phrase en écrivant un mot sur un papier que l’on plie avant de le passer au joueur suivant qui doit écrire un autre élément de la phrase. La première phrase obtenue par ce procédé surréaliste, en 1925 fut : Le cadavre exquis boira le vin nouveau.

Man Ray, L’énigme d’Isidore Ducasse, 1920 : Beau comme la rencontre fortuite sur la table de dissection d’une machine à couder et d’un parapluie : Ce n’est pas l’inconscient de l’artiste qui est mis en jeu, c’est plutôt l’inconscient du spectateur qui est mis en avant plan. D’une part, l’artiste essai de libérer son inconscient et d’autre part, qui suggère le moins possibles, pour que le spectateur projette son sentiment envers l’œuvre.

Le surréalisme est un mouvement révolutionnaire : C’est un moyen de libération totale de l’esprit et de tout ce qui lui ressemble. Pour eux, ce n,est pas une révolution politique au sens stricte, il s’agit d’une révolution intellectuel. – Idéalistes sans participer à aucun idéal. .. On veut détruire la raison.

· L’automatisme :

André Masson, Figure, 1926-27 : Il développe un moyen particulier pour faire ses œuvres.Il lance de la colle sur la toile pour ensuite lancer du sable. Il ne contrôle pas ses gestes, il ne suit pas du tout les règles de l’art, du beau etc. Il n’y a aucune représentation ; il regarde les formes de sa toile et laisse aller son imagination pour projeter une figure. Il devient le premier spectateur de son œuvre. Plusieurs de ses œuvres ont un thème de guerre. En général, ce sont des scènes de guerre et de mort qui sont produit dans ses œuvres. Les artistes automatistes montrent leurs œuvres donc, ils les corrigent légèrement.

Max Ernst, L’habitude des feuilles de Histoire naturelle, 1926 et La forêt, 1926 : Il innove la technique du frottage. Il m’était une feuille de papier sur une feuille texturé, au crayon plomb, il frotte et une forme émerge. En observant les formes, l’artiste reprend l’image. Chez Ernst, ce qu’on remarque le plus dans ses toiles sont des monstres ou des aspects de la nature. Il pratique aussi le grattage : On recouvre une surface de plusieurs couleurs, on recouvre ses couleurs par du noir et on gratte. La décalcomanie : Sur une plaque de verre, il jette de façon libre de la peinture, une pièce de toile est ensuite mise sur la plaque de verre.

· Les images oniriques

Salvador Dali : Il a participé à un film où l’on se croirait dans un rêve. Plutôt que de travailler sur la question de l’association libre, il crée a partir des souvenirs de ses propres rêves. Il fait des images qui ressemblent un peu à ce qu’on peut retrouver dans les rêves. Salvador Dali explique que la paranoïa critique est un état dans lequel on se met de façon volontaire, où l’on essai de faire se genre de connexion qu’on fait dans nos rêves. On doit laisser nos pulsions refoulés faire surface, dans un état d’éveil. Il s’agit d’un état d’éveil où l’on se laisse aller. Dali dit qu’on devrait tous s’entrainer à laisser aller nos pulsions, la vie serait plus facile. Le lion chez Dali est un symbole sexuel. Les fourmis et les œufs sont un symbole de destruction et de renaissance. La sexualité est très présente dans ses œuvres, qui est un désir refoulé chez lui. Dali traite aussi les images doubles (Mae West, 1935) Il s’agit d’une figure de désir qui est projeter dans un espace. Le travail de Dali est un travail sur les modes de symboles de rêve mais aussi sur la paranoia critique.

René Magritte essai de discréditer de facon systématique les caractéristiques du monde. Il essait de discrédité la raison.

· L’abject

Alberto Giacometti : Il est associé au mouvement surréaliste et fait des assemblages toujours, ou presque, basé sur le motif d’une cage. Il nous amène a projeter toutes sortes d’émotions, de sentiments lorsqu’on observe ses œuvres.

Hans Bellmer, Poupées, 1935 : Démontre des corps démembrés mais ce n’est pas ça qui est troublant. C’est l’association des corps démembrés avec les morceaux de poupées. Ce n’est pas par la raison que ses œuvres viennent nous chercher, c’est plutôt de nos souvenirs d’enfance.

L’abject c’est le moment où on se ressent du dégout et de l’attraction. C’est un mélange de plaisir et de dégout qui semble vouloir révéler quelque chose qu’on ne veut pas révéler.

Meret Oppenheim, Déjeuner en fourrure, 1936 : On ne peut pas décrire ce qui se passe, il y a un combat interne qui est créer avec notre contact avec l’œuvre. (Peur et désir simultanée)

[ Histoire de l'art] La crise de la culture.

2011-12-25T09:38:00.000-08:00

La crise de la culture selon Hanna Arendt.

1. Invention du public.

Le beau est un jugement du sens commun (Kant)

L’artiste ne peut à lui seul produire le sens qui est devenu une forme de vivre ensemble.

S’impose alors la conception du public comme entité qui possède la capacité ordinaire du jugement.

Le Salon et les nouveaux lieux de sociabilité liés à l’art : l’œuvre d’art sollicite l’instauration de la

Communauté

On a vu que le discours actuels est toujours le même. Il y a toujours tout un tas de questionnement sur l'artiste. Il y a un questionnement posé tout autour de ces artistes, du consensus. Effet de l'œuvre sur la cité. Artiste au sein de la société n'est pas simple, il n'y a pas de transformation et de rôle simple. Représentation que l'on s'en fait, caractère récurant, personnage hors du monde, privilégié. Ce héro culturel. L'on a largement vu cette construction autour de l'art, celle de Vasari. Idée d'un don de l'art. Inné et venu de la nature, virtuosité, personnalité exceptionnel qui pouvait venir du caractère mélancolique. Artiste définit sous ces termes. L'on en découlait vers la conception du génie.

Comment on arrive à des recherches de mythologie individuelle, comment on arrive à déplacer cette vision de l'artiste.

Au 18éme c'est l'invention d'un espace public ouvert. Développement du salon, lieu de sociabilité qui se font à partir du salon et qui va permettre à l'œuvre d'art de créer d’instaurer une communauté. Liens entre l'art et le public.

L'on a beaucoup parlé de ces lieux de sociabilité, foire, salon et création des musées.

Il y a aussi des points importants, Kant, que l'on a parlé pour sa notion du génie. Il posera une notion du «beau qui est un jugement du sens commun.» C'est donc cette idée que la sensibilité est accordée a tous les êtres humains, et donc le monde dépend du jugement de chacun.

Impact sur le jugement de l'œuvre d'art. Par là il entend que finalement il y a une possibilité de chaque individu de s’entrer dans la fonctionnalité. Tout individus peut s'affirmer, s'imposer par la seule autorité de ses arguments. avec justement ce discours, il va se déplacer dans le champs de l'appréciation de l'œuvre d'art, idée que l'individus apprécie et se prononce sur le domaine de l'art, il accède sur le jugement esthétique, c'est a partir de ce moment que se développera les débats artistiques, les critiques d'art et le vent de liberté qui souffle avec Kant, est que les valeurs esthétique ne se justifie pas d'une autorité, de règles.

L'homme s'inscrit dans le débat artistique, la liberté de cette époque est que les valeurs artistiques de l'époque ne s'impose plus sur des valeurs pré établit. Les institutions ne dictent plus ce qui est appréciable.

Exposition au salon, 1787. Eau forte, de Pietro Antonio Martini

Abbé du Bos,

Théoricien de l'art qui écrivit des réflexions critique sur la poésie et la peinture, l'on retrouve bien ce discours où l'on est ancré dans un univers sensible. le sentiment est un univers physique qui existe chez tout les individus. Le jugement du public valent plus que les gens de métier, il souligne que les gens du domaine de l'art juge d'après des règles et des formules apprise.

On trouve cette réflexion dans son texte, réflexion critique de la poésie et de la peinture.

Le public est le nouveau juge du critique d'art.

On a un espace public donc ouvert avec une large couche de la population, avec ces convictions que chacun peu donner son avis sur les œuvres présentée. Ce n'est plus l'académie et non plus l'artiste qui peuvent produire le sens de l'art mais c'est également le public.

Abbé du Bos, Réflexions cri9ques sur la poésie et sur la peinture, 1719.

Sa propre perception entendue comme une confrontation sensible avec l’image

Une esthétique des perceptions sensibles : efficacité du sentiment en matière de critique artistique

Le véritable juge en matière d’art sera le public

2. invention de la communauté artistique.

L’on se souvient de ce type d'œuvre d'art qui présentait cette troupe d'artiste de la révolution française et ses premières réunions d'artiste qui vont créer cette communauté. On va avoir ce principe de démocratisation de métier d'artiste. La commune des arts sera donc ouverte aux femmes, étrangers qui peuvent prendre part à cette communauté.

Qui vont devenir les protagonistes d'une époque, ils vont revendiquer une liberté indépendance. On voit cette figure qui est reconnue par les autres, par sa communauté mais non plus par la valeur de son œuvre mais par son engagement dans sa communauté artistique,

C’est cette communauté qui va découler du mythe de la bohème artistique.

Fondée sur l'intention de l'art. Il n'y a plus de hiérarchie de valeurs, idée de liberté artistique.

Fin du XVIIIe siècle : démocratisation du méfier d’artiste

La communauté des artistes : l’artiste est reconnu non par la valeur de son œuvre mais par la qualité de son engagement dans l’activité artistique

La reconnaissance d’une condition commune

L’homme ordinaire est reconnu capable de créer et de devenir artiste sans détenir nécessairement un don

Affirmation de l’identité dans la pratique de l’art

L'émergence d'un marché de l'art.

On verra donc une émergence du marché de l'art ainsi que la figure individuelle de l'artiste qui n'est pas en désaccord avec la communauté. L’artiste solitaire qui gravite d'un cercle a l'artiste. Dans cette notion d'individus d'artiste la question de l'originalité va surgir.

Le discours sur l'art va se mettre en place. Au début du 19 qui va être fondée sur cette notion d'originalité, sa singularité mise en avant.

On avait vu par rapport a cette montée de l'individualisme, notion plutôt négative, Diderot initiateur de cette figure du génie solitaire, de ces critiques d'art.

Faust, Balzac.

Ce discours sur l'art va se fonder sur la notion d'originalité.

Changement de paradigme dans le sens ou durant la période de la renaissance avec Vasari où les artistes italien redécouvrent cette ressemblance au 19em ou le rôle principal de l'art est limité avec la nature. Adéquation avec le réel. On a vu comment sur le long terme il y a eu des changements qui sont allés vers ce sens la. Nouvelle conscience de sois de l'artiste avec l'individualisme. L’œuvre d'art devient l'expression d'une singularité de l'artiste, c'est aussi a cette époque qu'il y aura la valorisation de la notion de génie en même temps que se dévalorise la notion d'imitation.

L’artiste romantique qui exprime son originalité et sa subjectivité est cette figure du génie tel qu'est définie par Kant.

L’individu artiste devient une pure singularité qui va se situer en dehors de tout cadre social, c'est la question d'une inspiration d'origine intérieure qui revient.

De plus en plus on va aller vers cette idée d'une œuvre qui est vouée à elle même, qui va aller vers son propre genre. Ce critère de l'histoire en quelque sorte. Elle existe tant qu'elle s'auto détermine.

Artiste grec qui vont être le modèle, nouvelle liberté créatrice tels qu'en parlera Vico ver, valorisation de l'artiste qui se fait dans cette liberté créatrice.

Changement de liberté énorme, ne s'est pas fait d'un coup, changement d'institution, ensemble de choses qui ont permis ce changement, jamais un seul phénomène, dévalorisation de l'imitation.

Plus d'obéissance aux règles de l'art.

L'art devient autonome avec cette question du créateur, l'œuvre est son propre genre, elle est vouée a elle même, intériorité du créateur qui va donner sa loi a l'œuvre d'art. Les œuvres d'art vont fonctionner comme un objet d'une contemplation purement esthétique.

Il y a le développement de musée et cette muséification va préserver ces œuvres destiné a un usage purement esthétique. Elle fige leurs authenticités et préserve ces œuvres pour un seul usage, l'esthétisme.

Le musée a crée cette fonction, renaissance fonction réglions.

Cette notion d'originalité est cruciale, formation de l'artiste avec l'académie, copie de dessin, de marque copie. On va refuser la copie, affirmation d'une singularité, l'œuvre est conçue comme quelque chose qui ne peut être imité et en même temps non inimitable. Principe de l'autonomie de l'art.

La copie n'est pas l'affirmation d'une singularité, l'œuvre tels qu'elle sera conçue au 19ème sera non imité et inimitable.

Plus de dépendance par rapport a un modèle grec, c'est la valorisation qui cette fois, de l'invention. Nous ne sommes plus dans la comparaison avec les œuvres d'art, c'est l'invention fondé sur la singularité de l'artiste.

L’œuvre d'art a une fonction esthétique, elle doit permettre le jugement esthétique, elle va permettre la délégation, le musée va permettre cette valorisation, on doit contempler les œuvres dans un univers historique.

Le musée est un espace neutre qui est fait de manière a permettre cette contemplation. Loin de l'accrochage des salons.

On a changé le type d'accrochage. Murs très peu chargé. On a toujours cette idée de l'inspiration de l'œuvre construite comme une puissante intérieure mêmes si l'on a plus l'inspiration du divin.

Idée de l'âme de l'artiste qui crée.

L’artiste a toujours cette figure de l'être exceptionnel qui occupe une position originale. il rend visible un ordre supérieur.

Un espace propre qui n’est pas un lieu communautaire. Au XIXe siècle, les systèmes institutionnels de l’art (académies et corporations) disparaissent et la reconnaissance de l’artiste devient un problème crucial. Le monde l’art isole l’artiste du public

Emergence de la figure de “l’indvidu artiste”

L’œuvre d’art : Régime et originalité

Dans ce régime de l'originalité, la théorie mimétique de l'œuvre est remplacée par une expression du moi. Toujours cette même idée de l’expression et de la singularité de son créateur.

Cette originalité ne relève pas d'un talent mécanique, il y a toujours le métier d'artiste apprit, mais en même temps la création artistique provient d'un talent non apprit.

La conception expressive de l'œuvre d'art entend qu'il s'agit de l'expression de la singularité du créateur, ne relève pas d'un talent mécanique et d'un métier apprit. Idée de la création intuitive qui provient d'un talent non acquis, c'est l'intériorité subjective.

L'artiste est créateur en lui même, il n'y a pas d'agent extérieur qui vont l'aider dans sa tache,. Autonomisation de l'art. On voit que l'artiste se libère de toutes ces idées de transition de savoir technique. On a vu des siècles, idée de transition de savoir faire technique, avec cette notion d'originalité l'on sort complètement de cette idée. L'œuvre d'art est authentique et elle s'oppose à un prestige ancien, une tradition à copier.

Donc la définition de l'art est de plus a plus a arriver à défendre la valeur propre de l'œuvre d'art. Autonomisation de l'œuvre de d'art. La définition de l’art dépend de la valeur de l'œuvre, critère d'excellence qui n'est pas une propriété commune.

Plus de limitation extérieure, on a plus de délimitation que ce soit par les matériaux, que ce soit par cette idée de genre artistique, donc plus de cadre établit, on peut dire une subjectivité radicale qui va légitimer cette idée.

Souveraineté absolu de l'acte créateur, seul importe la capacité auto expressive de l'artiste, l'œuvre d'art est libre de toute prédétermination, elle est au dessus des lois.

Le point de vue justifié provient de l'artiste. Il y a le lien qui va se faire entre le marché de l'art et l'artiste, il aura besoin de la compétence d'intermédiaire qui seront les critiques d'art, les conservateurs de musées et les marchants. L’artiste aura besoin de cette compétence d'intermédiaire pour être définit socialement, le travail de reconnaissance va de faire dans ce sens la par ce monde d'intermédiaire. On peut dire finalement une sorte de scène restreinte, fermée, structurée pour faire un lien avec le public.

Tout ca nous mène au 20eme où l'art moderne sera définit ainsi. L’histoire de l'art va aussi se construire a cette période, les lectures faite de Vasari, l’individu artiste seront des lectures faite a se moment, les personnalités vont s'inscrire dans la figure de l'artiste.

L'on arrive avec cette autonomisation e l'art avec ce mouvement fondateur, si l'on devait donner un nom, un exemple ce serait marcel Duchamp avec l'urinoir, c'est un geste qui marque la souveraineté de l'artiste, c'est le geste qui est à retenir.

Souveraineté absolu de l'acte créateur, avant cela on avait Monet, les nymphéas où l'auto référence étaient marqué.

À la fin de la vie de Monet nous sommes presque dans l'abstraction.

Elle accède à un statut artistique quand elle devient la trace d’un processus créateur, interprété comme la manière d’extérioriser une subjectivité originale

Non plus imitation de la nature, Non plus relation à une tradition, Non plus obéissance aux règles de l’art.

La liberté créatrice selon Wifkower

Autonomie de l’art

L’individu artiste = une pure singularité. L’originalité est opposée à la copie: la théorie mimétique est remplacée par une conception expressive

L’œuvre s’autodétermine de manière radicale. C’est l’intériorité du créateur qui l’a fait advenir

Les œuvres d’art = purs objets esthétiques. Le musée conforte cette perception : il préserve ces

Œuvres destinées à un usage essentiellement esthétique.

L’œuvre est libre de toute prédétermination. Sa grandeur est liée à la subversion des catégories et des conventions : les frontières entre genres, art et non art. Le point de vue justifié est celui de l’artiste

Seul est important la capacité auto expressive de l’artiste

Souveraineté absolue de l’acte créateur

Les collectifs d'artistes.

Pour sortir de cette idée de l’individu artiste et tout ce qui lui colle au corps, il y aura la création nombreuse dans les années 60 des collectifs d'artiste. Il ne s'agit pas dans ces collectifs de critiquer la figure de l'artiste solitaire. il s'agit plus de sortir du musée. Délocalisation des espaces de l'art.

Il s'agit d'empêcher le ramassage des œuvres par le musée.

Vont apparaitre le modernisme, le culte de l'avant garde et de l'acte artistique qui parfois et marqué d'une aura exceptionnel. On aura dans ces collectifs la volonté de prendre le contre pied de la pureté formelle, notamment de la peinture, il va y avoir l'arrêt d'urgence d'un passé. le passé artistique va devenir un répertoire de forme disponible, mais jamais selon la tradition du 18eme siècle ou des siècles auparavant. Il ne s’agit pas de réhabiliter les grecs, ce sera un travail hybride qui va réutiliser ce passé.

c'est des pratiques de ruptures, avec la tradition qui vont dans le sens des mouvements artistiques,.

Un retour au «réel», il ne s'agit plus d'une question de transcendance, c'est plus autour du banal, du réel et du quotidien. Ce réel ne s'agit pas seulement de le rendre visible mais banal, mais il s'agit de le problématiser.

Il y aura toujours un travail critique. On le verra justement avec l'artiste ethnographe.

Il va se raconter avec la mythologie individuelle, des pratiques de rupture avec la tradition, la philosophie occidentale.

Par rapport a la post modernité. Idée d'un sujet, pensée des lumières, figures qu'il n'y a pas un être, un seul.

Tout un ensemble de nouvelle forme et d'intervention qui vont sortir des habitudes et des schémas de l'art, collectif d'artiste qui vont se manifester dans l'espace urbain, a sa périphérie. Dans des lieux et des circuits de création parallèle aux musées, en même temps ces lieux de création on souvent un lien avec une population.

On va définir cette figure de l'artiste ethnographe où anthropologue, l’individu qui va s'intéresser a des communautés pour problématiser cette aspect de la société.

Ils vont se manifester dans l'espace urbain, qui sont en lien avec une ou des populations, nouvelles formes d'interventions qui vont obligatoirement suivre avec de nouvelles formes et problématiques d'artistes qui vont se tenir en périphérie des musées.

Délocalisation des espaces de l'art, pour marquer finalement une confrontation entre les musés et ses nouveaux lieux. Forme de territoire développé par les artistes qui entrent en confrontation avec les musées.

Les années 60, apparition de tendances artistiques diverses. Délocalisation des espaces de l’art. La figure de l’artiste ordinaire. Des lieux et des circuits de création liés à des populations. Nouvelles formes d’interventions. Des pratiques de la rupture avec la tradition. Le visible n’est plus transcendantal mais banal, ordinaire, quotidien. Déconstruction des grands récits de l’art.

L'artiste ethnographe

Ce qui est intéressant avec cette idée de collection est que l'on est autour d'une déconstruction de la figure de l'artiste, les collectifs brouillent les cartes au niveau de la personnalité de l'artiste et du travail de chacun dans ce groupe.

Ces artistes ethnographes sont en liens avec cette population, ils vont intervenir dans les travaux, création de lien ou la population entre dans la création artistique, un dialogue entre les collectifs et la population va s'établir, ce dialogue va remettre en question le positionnement de l'art. Ce travail de déconstruction des mythes établit autour des artistes.

Collectif d'artiste, remise en question de cette idée de singularité individuelle. En même temps par cette participation de la population, au processus de l'œuvre d'art.

C’est cet élément de délocalisation qui est mit en question. L’on remet l'hégémonie des musées en question.

Rapport qui s’établit dans cette figure, collectif d'artiste rapport différent avec le public, manière de déconstruire le modèle institutionnel du musée.

Rejet du musée se fait aussi par ce principe de ne pas vouloir installer l'art en dehors de la vie quotidienne, l'expérience esthétique, enfermé dans un lieu spécifique, cette vocation du collectif d'artiste, ne pas vouloir enfermer cette expérience uniquement dans le monde muséal. Débordement dans le cadre du musée. Infiltration des artistes dans les populations, un travail souvent autour de la vie quotidienne, banal, ordinaire qui devient l’enjeu de la recherche. On est plus dans cette idée d'une expérience d'esthétisme où marque de distinction.

Ces collectifs d'artiste c'est aussi l'idée de rétablir une pratique vécue collectivement, c'est de sortir de cette position centrale de l'artiste, on voit toutes les traces du post modernisme et de questionner le monde autrement qu'a partir de la position centrale de l'artiste, en travaillant en groupe.

L’acte artistique convoque la communauté. Démystification de la position centrale de l’artiste. Une pratique vécue collectivement. Importance de la notion d’altérité. Disparition de l’aura de l’artiste : il n’est plus un. Autre, étranger, solitaire mais il appartient à un monde ordinaire et partagé

Ensemble de production. Artiste impliqué dans des rapports avec une société.

Il souligne que cette figure de l'artiste ethnographe marque véritablement un changement dans l'investissement que fait l'artiste dans la société mais aussi sur des espaces urbains.

Inédit.

L'artiste entendu dans ce sens n'est plus un moi, mais un individu qui partage une société qui est membre de cette communauté, ce n'est plus un Autre, une figure exceptionnel mais un regroupement. Il s'affirme comme membre d'une communauté. Il n'est pas solitaire, appartient a un monde ordinaire et vit dans un monde partagé. Pratique sociale autant qu'artistique.

Ces nouveaux territoires au niveau des collectifs d'artistes, ce sont les ateliers de quartier, squat, galeries alternatifs, quartiers souvent difficile, ces lieux d'artistes sont des quartiers en voix de développement

L’art n'est plus cantonné dans l'espace public du musée. il est dans un espace public ouvert en contact avec les populations.

Ces formes de l'art trouvent leurs sens plutôt que dans ces lieux qui leurs sont officiellement consacré.

Disparition de l'aura de l'artiste. Toute cette fascination que l'on avait établit autour de la figure de l'artiste disparait. L’artiste sera le premier a mettre en place cette disparition de Laura. Il y aura tout un ensemble de forme de création, qui vont établir des conceptions de l’art et qui vont permettre ces définitions, l'artiste se présentera comme une figure ordinaire de notre société.

Ordinaire mais absolument pas simpliste. Il revendiquera des sujets ordinaires qui se construira, mais non simpliste, qui va vouloir témoigner de la variété des monde et ses habitants, et qui va aussi démontrer la diversité des territoires de l’art etc.

Anthony Hernandez, Landscapes or the homeless.

Il témoigne des sans abris, sdf, toute une population de Los Angeles qui est présentée dans ses images mais toujours absent. On a la figure de ses sans abris dans la figure non transparente.

Fait en sorte que ces individus n’existent pas.

Laura Waddington,

Artiste anglaise qui s'est rendue sur un camp de réfugier établit par la croix rouge qui devait recevoir les réfugier de tout pays qui traversaient la France pour se rendre en Angleterre clandestinement. Son film retrace cette difficulté à se faire une place dans ce paysage français.

Survivance des lucioles analyse le travail de Laura Waddington. Petite caméra ou un film avec des images sommaires, parfois minimale, on peut encore toucher les projecteurs et de faire passer sa voix.

Témoignage d'un artiste ethnographe qui tente de donner une voix a ses individus.

La crise de la culture selon Hanna Arendt.

Les grands débats ont justement, sur ce que l'on appelle la sphère culturelle, l'homme industrie. Il y a eu a partir des années 60 un questionnement sur la considération, culturelle des produits et des valeurs marchandes. Opportunité a considéré les produits culturels comme n'importe quel produit de consommation. Sur le marché il représente quelque chose d'échangeable. Le paradis culturel, centré sur la valeur de l'échange des œuvres d'art. Comment les artistes contemporain s'arrangent avec ce qui apparait comme ce nouveau paradigme culturel, de considérer une œuvre d'art comme une possible valeur d'échange. Comment l'artiste se situe-t-il dans ces enjeux sociaux économiques.

Hanna Arendt est un disciple de Heidegger, c'est ce que l'on appelle une philosophe politique, on ne la classe pas dans les auteurs post moderne, elle a refusé cette appellation. La plupart de ses ouvrages vont étudier la fin de la tradition, de la pensée collective occidentale, cette tradition nous vient de Platon et d'Aristote. C’est une femme juive qui a été déportée et qui a immigrer aux états unis. Elle va travailler sur la notion, l'expression de domination totalitaire.

C’est avant tout une philosophe politique qui a réfléchis sur le nationalisme et la mise en place de la Shoa.

Penser la politique dans le monde, la condition politique dans un monde next seconde guerre mondiale, le progrès technologie et la grande et difficile culture de masse, humanité, enjeux de son ouvrage.

Rend difficile l'existence de l'humanité. Cette notion de crise est centrale, message de l'auteure, il s'agit de huit textes qui exposent à chaque fois un climat de crise dans plusieurs domaines. Elle va parler de la crise par exemple du jugement, de l'éducation : un des articles, le crise du jugement, pour elle c'est la conséquence du phénomène totalitaire, puisque le totalitarisme a transformer la face de la société en falsifiant les concepts politiques, celons elle cette crise de la société des années 60, post seconde guerre mondiale.

Falsifie les concepts juridiques, politiques et moraux.

Un autres exemple, un article consacré a la crise de l'éducation, elle enseignera aux usa. Un de ces textes s'appelle qu'est ce que l'éducation, elle va étudier ce qu'est la relation maitre élève.

Elle va dénoncer la façon d'utiliser l'éducation pour en faire un moyen de politique. Le rôle de l'éducation n'est pas d'inculquer l'art de vivre, mais de leurs apprendre ce qu'est le monde.

Elle parlait de la société américaine, mais aujourd'hui ce discours s'applique pour l'éducation européenne.

Dans le chapitre consacré a la crise de la culture, elle va tenter d'expliquer le rôle, l'expression ainsi que les représentations sociales qu'elle suscite, elle va surtout étudier le concept de culture de masse.

La culture de masse et démontrera que la culture est en contradiction avec la notion de loisir. La transformation de l'objet d'art souvent perçus comme loisir.

Elle souligne par rapport à cette notion, que la démocratisation de la culture s'est faite grâce aux progrès sociaux. Et l'intérêt de la société pour des valeurs culturelles a compliqué ce phénomène.

Cette culture de masse, l'homme consomme les objets d'arts, le rapport que l’individu contemporain exerce entre l’individu et la consommation, la société aujourd'hui consomme l'œuvre d'art, celle ci a perdu sa plus grande qualité; celle de traverser les siècles et elle souligne que «par cette consommation les objets d'arts, sont devenus au sens propres : des choses, des choses qui vont être évalué et dévalué».

Autre élément a qui on livre une fonction, une utilité mais aussi une fonction utilitaire mais aussi sociale.

Chosification des œuvres d'arts. L’œuvre d'art ne doit plus seulement se manifester comme une œuvre d'art en soit.

L’œuvre d'art doit se présenter comme une œuvre artistique en soit.

Principe de fonctionnalité a l'œuvre d'art.

Ce n’est pas un objet. Tout objet a une utilité.

Elle lie a rendre ce phénomène a une certaine ruine de la culture, le principe de consommation engage toujours un renouvellement permanent. Elle montre un danger de considérer les œuvres d'art de cette manière, elle parle de l'appétit gargantuesque de la société. Elle compare les objets culturels a des biens de consommations destinés a être usés jusqu'a épuisements. Imaginer le renversement, les œuvres d'arts son absolument à l’ opposé des objets de consommations.

Ce sont des objets culturels qui ont pour origine première la durabilité dans le temps, c'est l'inverse dans l’objet de la consommation. La culture de masse a réussit a faire cela, caractère éphémère a la consommation que l'on impliquera aux œuvres d'arts. Cultures du beau et de l'utilitaire.

La société pense que le divertissement est aussi important que l'éducation, elle a cherché a définir pourquoi cette importance et pourquoi le divertissement ne passe plus par le nouvel attachement aux loisirs. Elle veut compter ce qu'on appelle le temps vite. Un nouveau besoin de combler le temps, loisir de masse comblé qui va se nourrir des objets culturels du temps vide. Refus d'un travail personnel et d'introspection. Peur de la société de consommation, période vacantes de la vie qui ne sont pas passé au travail où a d'autres activités qui crée la personnalité.

La culture de masse ce n'est pas que négatif. La culture pour cette société de masse est considérée comme un moyen de s'élever socialement, philistinisme est le terme qu'elle utilise pour cela. Référence aux philistins, c'est le terme qu'elle associe à la société de masse, l'ignorance des individus.

Dans ce philistinisme il va y avoir une mentalité utilitaire qui va voir dans la culture un moyen pour s'éduquer, s'élever socialement. Elle parle de la position.

Economics arts.

Un type de création de nature politique. Une attaque des marchés financiers car soupçonner de parasiter la sphère culturelle, devenue une industrie culturelle.

L'artiste joue au manager ou trouve une position critique face à ce spectacle.

Lien avec la notion de Paul Ardenne, l'economics art, pour lui il va parler de ces artistes qui se sont engagé dans une voix en lien justement avec ce monde des finances.

Sous ce lien, Paul Ardenne définit un art qui a pour propos un art, de type de création de nature politique, un nouveau champ d'investigation traditionnellement plutôt dénigré par les artistes. Ce n'est pas nouveau, cela commence depuis les années 60-70-80, où il y a des artistes où il va y avoir des productions stimulées par la vente des œuvres d'arts. En même temps ces structures comme chez Warhol, ces structures étaient construite sous le principe de magasin atelier.

Il se présente plutôt sous la forme d'une main d'œuvre que d'un commerçant.

Par contre dans les années 80 on a une manière d'aborder ce marché des affaires plus percutantes. C’est directement au marché de l'art que les artistes font s'attaquer, le marché de l'art va commencer à être soupçonneux. On le soupçonne de se transformer en une industrie culturelle.

Les artistes, eux même, vont s'attaquer a cette idée d'une sphère culturelle qui se transforme en une industrie culturelle.

Selon Paul Ardenne, il y a deux attitudes qui vont voir le jour, d'un coté les artistes qui vont jouer aux managers et qui vont travailler a partir du spectacle que procure l'économie. Et on a une autre catégorie qui va s'engager dans un espace critique de cette sphère d'industrialisation culturelle.

Ardenne préfère parler d'economic art.

Un type de création de nature politique. Une attaque des marchés financiers car soupçonner de parasiter la sphère culturelle, devenue une industrie culturelle. L’artiste joue au manager ou trouve une position critique face à ce spectacle.

Collectif d'artiste de bordeaux, zebra 3.

Collectif qui établit un catalogue de vente par correspondance. Byself. Des objets à la Duchamp, des balais, des objets qui proposent tout un ensemble d'objets étonnants. Artiste commerçant.

Tout un ensemble d'objet vendu sur ces catalogues. Idée de proposer un réseau parallèle a ces diffusions entre l'acquéreur et l'artiste. En dehors du musée. Des objets conçus par des artistes dans ce cas il s'agit de proposer une alternative au circuit traditionnel de l'art. Une critique par rapport aux institutions.

La aussi il y a tout un ensemble de questionnement : est ce qu'il y a véritablement une dimension critique dans ce type d'œuvre? On se dit qu'il y a une mise en place du même type de processus commercial que l'institution qu'ils critiquent.

modèle de la galerie dupliquée d'une autre manière.

Nous sommes dans l'entre deux, d'un coté la figure de l'artiste manager et l'on peut imaginer qu'il y a des artistes qui travaillent simplement en pur commerçant.

Fabrice Hybert.

L'hybermarché.

Il a réalisé un supermarché a l'intérieur de l'institution, l'acquéreur est appelé a acheter des produits de consommation courante fabriqué par l'artiste.

Idée de détourner la logique commerciale et économique. Il s'éloigne par le lieu des contingences du marché réel. En même temps il ne vend pas a certaine personne, il donne. Il y a le principe de gratuité. L’idée de parasiter la logique commerciale. Il donne des objets, il n'y a pas de trocs dans certains autres cas, il n'y a pas d'échange qui se font.

Un parasitage de cette logique commerciale. Encore une fois donc du monde du musée. Généralement la boutique qu'on associe au musée.

Gianni Motti et Christoph Buchel.

On ne sait pas trop où il se situe, joueur. Il y a une forme d'activisme chew Motti. Motti va lancer une sorte de chasse aux trésors où il annonce qu'il a caché 50 000 franc suisse dans le lieu d'exposition.

Les visiteurs vont arriver avec des échelles et des tournevis, ils vont démonter les cloisons de l'exposition. Il y aura toute une histoire autour de cette exposition, le maire fera une conférence ou les artistes n'ont pas a parlé d'argent. L’exposition va fermer après deux jours.

Détourner l'argent des subventions par le conseil des arts, il souligne que ce détournement sert a faire des voyages.

Money box, centre d'art.

Activisme de Giani Motti. Les salles d'expositions du centre sont vides, il n'y a rien au mur et au sol, mais au plafond il y a le budget de l'exposition.

Ici a la ferme du buisson, c'est au plafond. Le budget a été convertit en coupure de dollars, les billets sont accroché a des fils et accroché a des trombones, suspendus comme des guirlandes au plafond dans 20 salles.

A la fin de l'exposition les billets ont été décrochés et rendu au centre d'art.

Ce qui est intéressant quand on voit ces images, c'est de percevoir l'espace et l'argent fonctionne sur deux plans in conciliant. Les deux éléments ne se mélangeant pas, ils coexistent.

Pour terminé sur cette figure controversé. On aurait plus d'un coté une convention sociale avec l'artiste ethno- et le conditionnement de 'art aujourd'hui et la société de consommation. Position critique de ce domaine de monnaie d'échange.

[Projet artistique] Un homme et une femme.

2011-12-12T12:32:00.000-08:00

Un homme et une femme est un projet rendu pour l'un de mes cours de pratique.
Le sujet du cours porte sur un monde imagination où la femme domine l'homme sur tout les propos.
Voici ce que donne le conte pour enfant :

[Histoire de l'art] L'artiste maudit.

2011-12-10T14:05:00.000-08:00

La bohème : un style de vie revendiqué par des artistes au XIXe siècle. Refus du monde bourgeois. Investissement dans l’art et aspira<on à des privilèges liés à la singularité qu’ils revendiquent. Double construction du discours sur la bohème selon Nathalie Heinich :

‐ Enchantement et idéalisation

‐ Désenchantement et résignation

La bohème et le paradigme vocationnel. Balzac, Le chef d’œuvre inconnu, 1831. Henri Murger, Scènes de la vie de bohème, 1851. Les frères Goncourt, Manneke Salomon, 1867.

Un statut d’artiste fondé sur des valeurs nouvelles : création, innovation, originalité, unicité. Une position marginale de l’artiste qui se donne à lire comme une forme d’aristocratie fondée sur l’excellence.

Diversité des figures de la bohème dans l’ouvrage d’Henri. Murger, Scènes de la vie de bohème, selon Jerrold Seigel. Des origines sociales différentes :

‐ La bohème ignorée : les «stoïques et les martyrs qui souhaitent préserver leur pureté artistique»

‐ La bohème amateur : «d’origine aisée et désireux de prendre leur indépendance par rapport à leur famille et à leur des<née bourgeoise

Opposition entre période de vie temporaire et choix dans une forme d’existence permanente et indépendante

L’art en régime de singularité :

L’artiste idéal type, 3 aspects, selon Nathalie Heinich :

‐ Le pôle du privilège ; l’artiste dandy et la mondanité

‐ Le pôle de la démocratie, fantasmé et/ou réalisé dans l’engagement politique

‐ Le pôle de l’excentricité incarné dans la bohème

Émergence de l'artiste maudit.

Associé à l’image de la bohème, l’artiste révolté et maudit. Une mythologie faite de douleurs et d’incompréhension. Rêve de postérité posthume. Image réductrice de l’artiste fauché, alcoolique, drogué…

Figure qui va s'établir contre la classe dominante, la bourgeoisie.

Il s'éloigne de cette classe sociale puisque la bourgeoisie refuse les nouvelles formes d'arts. Rejet de l'enseignement académique de la part de ses artistes. Isolement créer par cette société bourgeoise qui n'apprécie pas l'art de son temps.

Marge de la société qui n'est pas comprit ou seulement par un petit groupe. C'est a partir de la que va se construire le mythe de l'artiste original de l'artiste incompris. Ce mythe de l'artiste maudit englobe tout un ensemble de connotations.

L'artiste révolté, des stéréotypes alimentés de mythologies faites de douleurs et d'incompréhension vécus par l'artiste.

A travers l'œuvre de Zola l'on retrouve cette figure de l'artiste maudit. Artiste révolté donc.

Renommée pour ses artistes souvent posthume. On a tout les clichés des mythes et du créateur maudit.

Ces clichés aussi se rapprochent aussi souvent des artistes incompris, révoltés et maudit. Ces clichés se rapprochent de la figure de l'artiste fauché, alcoolique et drogué, proche de la folie qui va refuser toute aide.

C'est le sujet de l'exposition qu'il y avait eu à Londres sur la figure de l'artiste Rebel et martyr.

Cliché de l'artiste solitaire, souffrant que l'on retrouve largement dans les romans que l'on citera.

Dans les opéra, la bohème, travaillent dans cette même veine.

Image donc assez réductrice d'un créateur. Qui peu a peu se retire de la société. Sorte d'Hermitage. La figure de l'artiste héro, rebelle, solitaire et souffrant avec un idéal où une consolation d'un rêve d'une gloire posthume.

Un des exemples de ce mythe de l'artiste maudit. Géricault.

Dès sa mort le mythe de cet artiste s'est fait.

Mélancolie associé au geste que l'on retrouve chez durer, melancolia. Cette manière de représenté la mélancolie avec le fait de tenir sa joue, Raphaël l'école d'Athènes où Michel ange sera aussi représenté de cette manière.

Représentation récurrente.

Ce qui alimenta le mythe fut le radeau de la méduse, scandale avec la représentation des corps mourant. Un attrait pour Géricault pour la morbidité. Autre élément qui va alimenter cet engouement. Il a représenté des fragments de corps. Bras, mains. La aussi l'on a vu un engouement de l'artiste pour la représentation des chairs mortes. Tout un discours sur l'artiste qui allait récupérer (manière de Vasari sur le montage des mythes) des morceaux de cadavres pour ses représentations.

Autre chose, il a représenté des facies particulier avec des affects parfois pathologiques. Un artiste déjà considéré comme étrange de son vivant. Mort très jeune, 32 ans.

La aussi l'on a des artistes comme Airy Scheffer qui a contribué a la peinture troubadour qui représente la mort de Géricault.

Il s'agit de dépeindre la vie de l'artiste, la mort de celui-ci, lividité.

Eclairage spécifique sur le cadavre. le personnage a l'air assez vieux pour un homme de 32 ans. Un pathos où l'on vieillit l'artiste, cela jouera de la légendes, On a associé a l'artiste une vie particulière.

Le blanc de ses vêtements met en évidence le visage. Beaucoup mit sur les affects.

Personnage en premier plan tourné vers nous, qui se cache le visage.

Importance des mains qui tiennent celle de Géricault. Couleurs des mains de Géricault qui est gris vert, accentue la mort.

On est vraiment dans le mythe de l'artiste maudit. Anti thèse de la glorification de Michel Ange et Léonardo.

La mise en place au niveau du pathos, ce voile, rideau qui donne un aspect tragique à la scène.

Arrière plan avec un tout un ensemble d'esquisses de Géricault, sorte d'hommage.

Mythe établit en premier lieu du sujet considéré comme bizarre par l'entourage de Géricault.

Moulage du visage, masque mortuaire. Pratique courante au 19éme. On gardait ainsi une certaine postérité, masque mortuaire qui va devenir le symbole du martyre.

Il aurait soit disant vécu une vie dissolue.

Les trois éléments constituant la figure de l’artiste maudit :

1) Mélancolie : une des<née malheureuse et souffrante mais exceptionnelle

‐ Un être d’excès et de déraison

‐ Fragilité mentale et physique permanente

‐ voué à de grandes réussites intellectuelles

2) Pauvreté : malédiction sociale

‐ Situation précaire

‐ Choix délibérée d’existence

3) Persécution

‐ Idée du mérite toujours persécuté

Paul Verlaine, Les poètes maudit, 1884.

On ne peut parler de l'artiste maudit sans s'arrêter sur P. Verlaine. Il y a un ouvrage de celui-ci publié en 1884 qui retrace le mythe de l'artiste maudit. C'est le développement en parallèle de cette figure, figure tragique de cet artiste poussé à l'extrême. Etude comparée, coloc interdisciplinaire où l'on peut retrouver tout un tas d'élément.

Idée d'une figure tragique, qui versera a l'occasion dans la démence. On verra comment on associera la création à la folie. Ce poète maudit c'est également dans tout ces processus de mythification de l'artiste incompris souvent dès sa jeunesse.

Le mythe du poète maudit se construit aussi de cette manière qui lui même va rejeter ses valeurs de la société qui parfois va se reconduire de manière associable et parfois reconstructrice qui sera considéré comme provocante, associable et auto destructrice.

Pour finir cette figure de poète maudit est qu'il meure avant que son génie ne soit reconnu à sa juste valeur.

Incomprise des sa jeunesse

Rejette les valeurs de la société

Personnalité et conduite provocante, asociale et auto destructrice

Meurt avant que son génie ne soit reconnu.

Sommet indépassable de la pensée romantique

Figure tragique :

‐ Incomprise dès sa jeunesse

‐ Rejet les valeurs de la société

‐ Personnalité et conduite provocante, asociale et autodestructrice

‐ Meurt avant que son “génie” ne soit reconnu

‐ Une conception de l’imaginaire collectif : Seul le malheur donnerait accès au génie créateur

Les soubassements théologiques du mythe de l'artiste maudit.

Une mystique de la souffrance héritée du christianisme. La souffrance comme posture de création. Fonction explicative du mythe : il donne un sens à la souffrance, permet à l’artiste de comprendre sa souffrance comme une marque d’élection et un gage de renommée future. Comme le saint martyr endure ses souffrances car il est élu par une force divine.

Il y a une construction autour du mythe de l'artiste heureux. Il y a cette idée que seul le malheur donnerait accès au génie créateur. Comme si le véritable artiste était toujours en prise avec la souffrance. La aussi au niveau de cette mythologie, il tombe dans la folie, il se détruit, une sorte de malédiction artistique autour de ce lieu commun.

C'est certains qu'il y a aussi des éléments lorsque l'on parle de la pauvreté d'artiste, rencontre de difficulté matérielle concrète, difficulté de vivre de son art.

Comme nous sommes dans la construction des discours nous sommes autour d'une construction d'un discours qui comme le saint martyr endure ses souffrances car il est élu par une force divine. Mystique de la souffrance hérité du Christianisme.

Heinrich va chercher à le démontrer avec la figure de Vge.

Discours qui ne sont pas nouveau, c'est véritablement une transformation qui se fait. Il y a tout un ensemble de consonances, de parallèle que l'on peut faire autour de la figure de l'artiste maudit.

Toute cette construction de l'artiste maudit, de l'incompréhension des créations des artistes par la société.

La souffrance comme posture de création est assez récurrente, Zola et Balzac. Une souffrance dans les romans qui doit être sincère. Les œuvres d'arts deviennent une expression directe de cette souffrance.

On a un mythe, une fonction qui comment une société arrive à trouver un consensus pour se faire une idée sur les individus remplit sa fonction de l'imaginaire, une véritable stratégie.

Artiste souffrant puisque dans cette stratégie l'artiste doit montrer, dire son malheur pour concevoir son art. Cette souffrance devient une marque d'élection, un gage de la renommé.

Remise en question de la religion. Discours et construction de mythification de l'artiste maudit. Construction.

Pour finir sur cet élément, la souffrance qui deviendrait une marque de sélection, de renommé. On voit v.g. qui devient renommé. La souffrance devient une part importante, il a souffert donc c'est légitime de sa renommé.

Ce qui fait le malheur de l'artiste dans ses mythes : mélancolie, pauvreté et persécution.

Mélancolique état physique fragile et mentale. Il y a la contre partie dans cette idée. Si l'artiste a cette constitution fragile, il a l'espérance de faculté intellectuelle supérieure.

Question d'une sensibilité importante. Écart entre esprit et physique, sensibilité exacerbée.

Figure négatif de l'artiste pauvre, poète crotté, pauvre diable. Il y a un versant positif dans cette vision, la pauvreté volontaire. On parle d'un choix de vie permanente. Avec ces figures qui renoncent au succès, a une place dans le monde pour conservé une pureté dans sa ligne de conduite. Une indépendance. Cette figure de l'artiste, du pauvre involontaire, qui se démarque par le refus du succès pour conservé son indépendance et en même temps pour montrer aux yeux du monde que l'artiste n'est plus le serviteur des puissants.

Il va de cette manière conserver une indépendance. Autre point important au niveau de cette malédiction sociale. Pauvreté avec deux versants.

Régime vocationnel.

La persécution. Elle va devenir un indicateur du mérite et du génie. Toujours persécuté. Philosophe grec et représentation de David. Ce mythe à travers Socrate, condamné à se suicider.

Mythe du mérite toujours persécuté. Indicateur du génie.

Devient un dieu commun.

Ensemble d'histoires de jeunes femmes artistes, vertueuses qui vont faire en sorte de rester dans ce principe de la vertu.

Geste sur la tête, se tient plus le front que la joue, pause allant dans le sens de la mélancolie. V Hugo prirent en photos par son fils lors de ses exils.

Théodore Géricault,

"Portrait de l’artiste dans son atelier",

1818

Ary Scheffer,

"La mort de Géricault",

1824

[Histoire de l'art] Les clefs pour analyser une oeuvre.

2011-12-03T18:50:00.000-08:00

Héritage platonicien

On continue de voir les traces de la pensée platonicienne.

Pour platon il y a une distinction très nette entre le monde intelliglbie et le monde sensible.. Platon élabore une alégorie dans laquelle il explique que la peénsée visuelle nous éloigne de la réalité. Les arts imitatifs se détournent de la vérité.

Les oeuvres d'art ne peuvent montrer que les choses telles qy'elles nous apparaissent et non ce qu'elles sont en soi.

l'artisan qui réalise le lit est plus près de la réalité que la personne qui peint le lit. Cette pensée nous éloigne des idées ( monde intelligible et l'essence des choses)

Méfiance envers la pensée visuelle.

pensée bousculé au 20e siècle. Sa pensée se rattacheà la pensée virtuelle en tant que mode d'attachement du monde.

La peinture et la sculpture constituent des documents clés pour entrer dans la culture de l'époque.

nous sommes bombardés de toute part par cette culture visuelle ( actuelle). Ce qui nous entoure nous défini et nous façonne. ça reste des éléments révélateurs de notre mentalité. Révolution critique.

Se raprocher du vrai en passant par l'abstraction.

Aristote

L'art sera défini par aristote sous le terme de "technè"- comme la disposition à produire accompagbée de règles exacte. (Éthique à Nicomaque) ; disposition qui englobe toutes les activitées qui font appel à un savour-faire.

N'ayant pas affaire coomme la science ( espistémé) à ce qui est immuable, elle reste un savoir empirique, progreesant par l'expérience et ase transmettant par la pratique

Rapport de contenance.

Contenance,( avoir des émotions au cinéma par expérience) expérience de spectateur. Pour aristote l'expérience du spectateur permet de garder un rapport social. La catharsis: facteur d'enveloppe et de contenance ( ressenti).

jeu de chambre noir: facteur de contenance et de catharsis.

Facteur de contenance dans différent rituel : ne pas croire au mariage mais en être ému quand même ( facteur de contenance dans les rituels).

Pour aristote la catharsis est importante car elle permet de libérer le spectateur des mauvaises émotions ( purification de l'ame)

Les expériences chargées d'affects viennent libérer ( des bons et mauvais affects)

Question de la contenance:

Notion de jeux ) imporatant dans de nombreuses pratiques actuelles.

Niveau d'invesstissement tellement fort et perte de contact avec son environnement imédiat.

Idée d'immersion ( être contenu dans les choses dans les idées).

Frontière entre le réel et la fiction. On n'hiéarchise pu le réel et la fiction.

Pline l'ancier ( 23-79)

ùcertainement , le plus célèbre des encyclopédistes romains. Ce dernier à consacré un livre, le livre XXXV de sa colossale histoire naturelle, à une histoire de l'art.

Sans doute le premier ouvrage du genre, il consiste en une vaste compliation biographique et technique.

Le premier à élaborer "une histoire de l'art"

C'est dans cet ouvrage que se mettent en place une série d'anectotes qui setont repruses à satiété dans toutes les biographies d'artistesL le géni repéré des l'enfance, l'habilité du peintre qui se ttraduit par une simple ligne tracée, le maitre dépassé un jour par l'élève. Vasari s'inspirera grandement de pline.

-Mythes fondateurs dans la vie de L,artiste ( structure d'annecdode qui reviens dans chaque époques. Annecdote qu'on peut transposes dans la vie des artistes. On explique le géni de l'artiste avec la même série d'annecdotes formatés qui existaient dans l,antiquité romaine. Géni repréré des l'enfance est une structure annecdotique.

Pausanias (IIe siècle)

Art comme diversissement, art comme atrait touristique

Dans la Périgèse de la grèce, écrite entre 150 et 175 après J-C. Pausanias nous offre un commentaire histoirique des oeuvres qu'il voit au cours de sess voyages dans toutes les régions de la grèce continentale. Malgré ses raccourcis et son côté annecdotique, ce quide de voyage sera des plus précieux pour les archéologues.

Cennino Cennini ( millieu du XIV)

Dans son ttraité de la peinture, écrit vers 1398 cennini présente les recettes des peintres selon les traditions gothiques florentines. Il intente un vocabulaire qui demeurera présent jusqu'au XXe sicle. deisegno( dessin), maniera manière), naturale( naturel), moderno( moderne), sfumare ( estomper).

S'intéresser à la manière d'un artiste comme porte d'entrée dans une oeuvre.

On s'intéresse à la pensée écrite des artistes. Cennino Cennini sera le premier peintre à écrire son auto biographie.

Alberti ( 1404-1472)

Alberti à consigné ses idées dans deux ouvrages: traité de la peinture et de l'architecture. Pour lui, l'art est un moyen de connaître , et la peinture est la connaissance de la nature en persoective.

Alberti fait de l'art pictural un outil de connaisance du monde.

C'est à alberto que l'on doit la célèbre définition du tableau : ouverte sur le monde : > ici, laissant les autres chosess, je dirai seulement ce que je fais quand je peins. D'abord où je dois peindre. Je trace un quadrilatère à angles droits aussi grand que je veux, lequel je répute être une fenêtre ouverte.

BVasari

Vasari est souvent considéré comme l'inventeur de l'histoire de l'art. La vision générale de l'art selon Vasari s'accomplit selon un cheminement progressif vers une perfection qui s'accomplit avec Michel Ange. Ses trois ages de l'art correspondent au XIVe, XVe et XVI siècles. Le dernier est supérieur aux deux précédents.

Vasari n'hésite pas à prononcer un jugement de valeur et de gout sur la production de ses conteomporains.

Une histoire de l'art imprégnée par un jugement de goputs.

Le jugement de goputs va devanir la chasse gardée au 18e? siècle. Jugement de valeurs. l'histoire va délaisser cette dimension pour devenir plus objective.

( vasari( suite) Au 3e age il existe une notion de perfection si merveilleuse qu'on peut dire et assurer que les statues, dans n'importe lesquelles de leurs parties, sont beaucoup plus belles que les statues anciennes'." Tous les jugements de Vasari sont largement déterminés par les préjugées en usage de son temps.

La notion de progrès en art ( depuis les années 70) sont mises à mal, remise en question.

Roger de Piles ( 1635-1709)

Notion des donées biographiques ( personalité d l'artiste). Notion de géni qui prend de l'importance au 17e siècle et demeure prévalent jusqu'au début du 20e siècle.

C'est de Piles qui conceptualise la notion de géni en tant que don reçu à la naissance sans lequel on ne saurait être artiste, même si l'in est expert dans la reproduction des maitres et le respect des règles de l'académie. Le génie permet de prendre des libertées qui apparaissent d'abord comme des licences coupables, mais deviennent bientôt de nouvelles lois.

Idée de transgression, l'idée d'être un artiste qualifié de génial et de possèder à la perfection les conventions qui régissent le monde de l'art. S,'affranchir des règles pour pouvoir développer un nouvel art. Quête de liberté des artistes.

La règle devient la valorisation de briser les règles. On valorise la liberté de l'artiste.

Winckelmann( historien de l,art) ( 1717-1768)

Dans Histoire de ll'art de l'Antiquité ( 1764), recueil de poèmes en prose, il cherche à percer le secret de la beauté plastique de l'art grac. Pour ce faire, il n'écrit plus l'histoire des artistes mais bien celle du style dont la trame se divise en quatre grands moments : les origines, l'éclosion et la mutation" et viennent ensuite " la décadence".

Kant

Kant se penche sur la pertinence de la notion de géni. Il montre que l'art ne relève pas du concept de perfection. l'artiste de géni ne saurait ssuivre des règles, puisqu'il détient le mystérieux pouvoir de les inventer. " le créateur d'un produitqu'il doit à son géni ne sait pas lui-même comment se trouvent en lui les idées ui s'y raporttent.

Expérience du sublime se rattache à quelque chose d'informe. Approche discursive et pucturale se veulent subliment.

Delacroix

À partir du 19e siècle on entre dans une attitude culturelle nouvelle. Facteurs socio politiques. L'attitude envers la culture et l'art modifié. Le sujet créateur ( dans son monde intérieur, sa vision) deviens un critère d'appréciation important et la notion de liberté du sujet créateur.

Pour Delacroixm, les plus beau ouvrages de l'art sont ceuxdans lesquels s'exprime la pure fantaisie de l'artiste ( libéré de la religion ou des commandes des bourgeois). Critère d'appréciation : imagination. Sa tâche est de rirer de son imagination les moyens de rendre la nature et les effets: et de les rendre selon son tempérament propre.

Ruskin ( 1819-1900_

Pour Ruskin, les fondements de la critique d'art s'enracinent dans le sacré. Selon lui, l'art et la moralité se confondent et la critique doit dégager l,essence et l'autorité du beau et du vrai. Cette adéquation parfaite entre l,art et la morale impose notamment une vie vertueuse aux artistes.

L'art deviens un bien être collectif. L'art pour tous deviens une idée très forte au 20e siècle.

On croit que l'art peut changer les choses et la société. Ajd cette proposition est toujours d'actualité.

Idée d'un artiste engagé, politique activiste.

Approches historiques.

Pour l’étude de l’approche historique nous allons nous référer aux anciens.

Seconde partie du cours, pensée plus contemporaine.

En parallèle de la pensée sur l’art, il y a dans le champ de l’art une rupture étiologique, un changement d’attitude a l’égard de la pensée et de la manière de voir l’art.

Les différents remous donnent un changement d’attitude avec l’émergence d’une nouvelle façon de pensée, cette nouvelle façon de penser l’art est appelée au 18em siècle «la modernité».

Lorsque l’on pense à la modernité, l’on pense surtout au temps, au temps présent. Cet art, au 19eme, l’on se rend compte que les artistes se posent tous ensemble pour penser à leur temps. Ils ne cherchent plus a idéalisées les œuvres, l’on ne regarde plus vers la volonté de la perfection physique.

A partir de la modernité, le regard se pose sur le présent. C’est une raison pour laquelle l’on se rend compte que les mouvances pour les courants tels que le romantisme, l’esthétisme et autres deviennent des courants importants, dit moderne.

Pour eux, seul compte le regard, ce que l’on voit est prioritaire.

Le changement d’attitude vis-à-vis de cette nouvelle manière de penser crée un moteur important dans la création. On cesse d’imiter les modèles établit par leurs prédécesseurs. L’on est plus dans la reproduction d’une réalité visible que l’on cherche a reproduire le plus réel possible. L’on cherche à reproduire une vision singulière, une vision particulière.

L’art dans la fin du 19eme siècle marque une rupture très importante entre le classique et le modernisme.

Ce que l’on retient le plus est le fait que les artistes se montrent très influencés par les technologies nouvelles, tels que la photographie (qui ne sera pas considéré comme un art).

L’industrialisation et le ready made sont deux choses que l’on retient particulièrement dans la modernité artistique.

L’art avait toujours été la résultante d’un savoir faire artisanale. A partir de la modernité l’art n’est plus forcément une production ayant une notion de beauté dit «classique».

Cela devient donc une façon de penser, une recherche sur le pourquoi. L’on pense l’art.

L’autonomie de l’art sera aussi un aspect de l’art important. Rupture avec la poésie.

Être artiste n’est plus un métier mais devient une parsisme, une attitude, un mode de vie etc.

De nos jours aussi l’on vit avec cette nouvelle façon de penser.

Statut de l’artiste.

A partir de la modernité, l’on est artiste, l’on a un mode de vie particulier.

L’art comme expérience.

Art plus expérientiels, apprécier l’art s’amorçant avec les techniques de nos jours.

Notions clefs de l’art remit en question vis-à-vis de l’académie. Critère secoué, mimétisme. Perfection de la vraisemblance. Mise à mal.

Critère d’appréciation :

- L’avant-garde : logique, moteur dans la première partie du 20 eme siècle. Au cœur de cette logique. Moteur important. Facon de penser l’art incontournable. Transgression des tabous, des conventions plastiques, (goya) pour faire de l’art il faut nécessairement faire de l’art qui transgresse ce que faisais nos prédécesseurs, fontaine, marcel Duchamp--» réception critique autour de l’objet, l’art est en constante évolution, idée far très importante dans la pratique artistique du début du 20 éme siècle,

- Les idées demeurent présente par la manière de penser l’art, elle demeure présente de nos jours dans les discours, elle demeure et partage des similitudes et de grandes dissemblances, elles sont polarisées, deux auteurs, deux historiens d’origines d’allemands, notions clefs et idées far ayant importance.

Une nouvelle histoire de l’art nait au début du 20 éme siècle.

Elle a pour idée de crée deux nouveaux types de discours et approches critiques qui se voudrons emprunt de scientificités. Ils vont reprendre les idées des sciences des botaniques et sociales pour crée des notions de structures dans l’art. L’on va s’inspirer de ce qu’il se fait dans la linguistique pour essayer de voir et d’élaborer des approches dont la motivation première est de sortir des lois et des structures bien définit.

Cette notion de structures devient une idée far au 19éme siècle. Exemple, art abstrait naissant, l’on retrouve les discours et l’on cherche à révéler la vérité cachée. ( Mondrian cherchant à révéler l’envie de retourner dans les règles de l’univers, analyse et observe finement des ensembles et autres mettant en apparence les lois d’organisations des différents styles, lois particulière pour démonstration et scientifique, il fera dans une perspective plus structuraliste l’idée de montrer des lois, approche ou l’on sent les racines de l’art contemporain)

Cette notion de recherche de la vérité et de scientificité est importante.

Les modèles que l’on dit poststructuraliste cherchent à casser ces lois et lignes : pour cela il faut se doter d’un protocole et concevoir une méthode pour élaborer une méthode scientifique, il faut réaliser un modèle qui servira pour plusieurs méthodes. Cela est important pour tout artiste ayant un intérêt vis-à-vis de la scientificité de l’art.

Il est aussi important pour toutes autres méthodes et autres qui se voulaient post structuraliste d’observer plusieurs cas avant de pouvoir prétendre que notre modèle soit doté de lois scientifiques et susceptibles d’être analysé par d’autres modèles.

Ces recherches se furent graduelles. La constitution des discours aide à trouvé un partage pour l’intérêt de la méthode, le partage et l’envie de comprendre les méthodes pour que l’on puisse comprendre la reproductibilité du modèle.

La reconnaissance par les pairs reste quelque chose d’important. La fonction de l’institution de l’art et d’histoire de l’art reconnaissent et donne une réception critique importante reste incontournable.

La question de l’hypothèse d’un point de vue académique reste importante.

Il est absolument nécessaire qu’un modèle soit important s’il y a eut une observation fine de l’objet que l’on analyse. L’observation fine est importante, l’on ne peut pas créer sans avoir observé ce que l’on souhaite représenter. La construction d’une interprétation est quelque chose d’important, l’on fait le choix de représenter de manière littéraire l’objet que nous avons choisit sans pour autant que cet objet soit ressemblant à notre propre création. La première chose qu’ils font est d’observer l’objet, il décrit cet objet comme l’on ferait en science naturelle. Observation du phénomène

Il est avoir une perspective formaliste. Il faut s’attacher au système formel des formes, de la lumières de la formalité.

Les faits.

L’analyse du résultat fait partit de la construction de sens de l’évaluation de l’efficacité de la démarche.

Fernande Saint Martin google est mon ami!

En fonction des différents corpus l’on a plusieurs modèles et plusieurs approches discursives. Elles peuvent servir à plusieurs approches sociologiques ou des discours plus culturels.

L’histoire de l’art du 20eme siècle et l’art occidental n’ont pas le même modèle.

L’universalité des modèles n’existent pas, il n’a pas été possible d’en créer bien qu’il fut souhaité de le faire.

Il faut pouvoir vérifier la légitimité du modèle. Il faut qu’il soit vérifiable vis-à-vis des approches scientifiques. L’approche discursive dans l’art doit être objective. La critique scientifique de l’art met de coté le Je de l’auteur, l’on plonge dans cette utopie de la légitimité scientifique de mettre de coté le point de vue singulier, la vision de l’auteur. Le je et totalement est mit de coté.

C’est une dimension qui fait partit de l’utopie du discours, du phénomène qui nous porte a faire un choix et a organiser le monde. Dans ces productions il faut éliminer ce sujet. Il se rattache a ceci le refus catégorique de tout jugement de valeurs et de gouts en refusant le JE. L’auteur, l’historien refuse de donner son avis et son gout dans les œuvres qu’il analyse et interprète.

Perspective plus empirique par ses phénomènes, refus du jugement de gout et de valeurs.

Sciences humaine naissance au 20eme siècle veulent se rapprocher au plus prés des sciences de la nature, dans l’élaboration de leurs modèles.

L’on veut une nouvelle approche plus scientifique par une réflexivité (approche discursive qui questionne constamment ses fondements, son fonctionnement, sa méthode --» Kant)

Nous avons la, la naissance d’une nouvelle histoire de l’art en quête de scientificités.

Heinrich Wollfin.

Nous avons ici le début, la naissance des babulciné?

L’art passe par l’idée de la visualité, l’histoire du sens visuel vécus où représenter à travers différents corpus.

Dans ses principes fondamentaux de l’art du début du 20eme siècle, il innovera des structures formelles rattachées à différent corpus. A travers cette perspective formalisme l’on s’intéresse a l’expérience du corps et a la sensitivités visuelle.

Texte de Joceline Lupien.

Ce qui nous rattache dans cette perspective sensorielle est qu’enfin l’on s’intéresse véritablement aux œuvres. L’on observe et l’on s’intéresse vraiment aux œuvres. Ici les donnés biographique de l’artiste nous intéresse peu. Le noyau du travail est l’analyse de l’observation empirique des productions distinctes.

Le baroque et le style renaissance.

Il va s’intéresser dans une perspective ou l’on établit des catégories qui sont polarisées. L’on observe les deux corpus qui mettent en relief l’art baroque et l’art classique.

L’on s’intéresse au style en tant que tels mais aussi a la relation entre ses deux structures.

Ferdinand Folfin, linguiste suisse qui a marqué une rupture très net entre les langues. Il regardera le langage en essayant de comprendre son fonctionnement.

Unité minimale.

Comprendre comment fonctionne un énoncé. Phrase et compréhension par analyse.

Paradigmatique et syntagmatique.

En fonction de la phrase et de la position syntagmatique dans la phrase l’on voit que le mot principal nous amène au sujet.

Dans l’art cet axe syntagmatique nous positionne dans une œuvre d’art abstraite ou non, l’on arrive à donner des valeurs en fonction de l’emplacement des objets. Le sens s’organise dans l’ordonnancement de la phrase et de l’ordre pictural. Il y a déjà du sens qui s’organise dans l’espace.

L’on produit du sens dans les œuvres grâce à la lecture de celui-ci.

Dans l’histoire des mentalités et de ses approches l’on est très inspiré par la linguistique. Science far pour bcp de discours durant le 20eme siècle.

Il veut que ses coupes structuraux l’on privilégie certaines formes, ouvertes, fermées, espace plus suggestif ou plus descriptif. L’on cherche des antagonismes qui peuvent s’appliquer a toute l’histoire de l’art. il voulait pouvoir se servir de cette logique structurale pour comprendre ses systèmes qui reviennent a travers les âges et qui se succèdent.

Baroque =espace pictural privilégié, espace ou les formes sont plus diffuses, il y oppose le linéaire. Le descriptif, le dessin.

Deux façons d’aborder et d’explorer la picturalités. Il n’ira pas chercher des ordonnancements sociologiques vis-à-vis des espaces et de la représentation. Il n’élaborera pas des conséquences sociologiques ou culturelles, il fait de l’observation d’un système, de ses règles et de ses lois.

Unité de l’espace pictural, tandis que d’âpres son système d’analyse l’on a un objet emblématique de son système d’analyse. Formes fermés, multiciplités de la visualité.

Notions de clarté absolue.

Alors que du coté baroque l’on fait tout le contraire.

Perspective formaliste.

Il cherche a comprendre les lois d’organisations de ces régimes visuels. Il cherche une explication a s’attacher au devoir de révéler la structure, les lois cachés derrière le sujet représenter.

L’on mise sur des zones indéfinies, obscure, autre régime visuels, étude de l’histoire de l’art ou l’on assiste a une approche formaliste.

L’on cherche à comprendre les différents systèmes.

Ex Caravage.

Panofsky

Il a une approche importante. L’on retrouve celui-ci dans beaucoup de critique. Il prendra en considération l’objet d’art pour en faire un document pour comprendre un cosmos de culture. Il fera un document historique a part entière. Il y aura une grande révolution dans l’histoire. Il s’intéressera a une histoire qui se rapprochera a la constitution des nations, a l’histoire de celle-ci.

L’on s’intéressait très peu a l’histoire du corps et en général. Avec lui, l’on fera de l’art un véritable document historique. Pour entrer dans la culture et l’idée de l’époque nous avons besoin de document et de structures dignes de l’époque.

Avec Panofsky les documents visuels accèdent a une reconnaissance historique nouvelle.

En ce début du 20éme siècle l’œuvre d’art devient un document intellectuel. Il sera abordé avec une rigueur scientifique. Il y a une quête de scientificité très importante dans cet héritage.

En premier il élaborera une méthode qui soit vérifiable et reproductive. Pour arriver a la construction du sens il faut décrypter l’œuvre et comprendre le document. Pour lui ce sont des documents a part entière.

Sa méthode doit l’aider à comprendre l’œuvre, elle doit être rigoureuse et efficace.

Il veut élaborer un modèle porteur. Il est dans l’esprit d’un enquêteur qui analyse ses objets pour en révéler toute la portée philosophique, culturel et scientifique.

Il faut observer cet objet que nous avons devant les yeux et le décrire avec force et détails.

Niveau Pré-iconographie. Il y a des règles donnent les particularités des icones, des symboles que l’on reconnait.

Dans la conception des figures iconographiques l’on cherche dans les sources littéraires qui documentent les symboles correspondant à l’icône que l’on a devant soit ex : mickey, grandes oreilles.

A ce nouveau l’on nous incite à observer un objet et a le détailler pour trouver le sens commun, la reconnaissance immédiate.

Dans la construction de sens il y a une première lecture qui est celle dont l’on retrouve les principaux symboles. Ce qui n’est pas rattaché a un symbole n’a pas d’importance, pour lui il n’a pas d’importance aux objets qui n’ont aucun symbole. Il prend une autre direction vis-à-vis des œuvres.

Il s’intéresse vraiment aux signes visuels.

La participation de sens n’aura aucun lieu de ne pas participer.

Ces objets nous apprennent et nous révèlent des choses sur le cosmos et la culture auxquels ils appartiennent.

Connaisseur cheap ?

Pour Panofsky il est intéressant d’inaugurer plein de perspectives telles que la sémiologie et la construction du sens. A cet égard la cette réflexion sera très porteuse.

Il aura une longue réflexion qui fera en sorte que sa méthode s’appellera l’iconologie. Ce sera un nouveau terme qu’il utilisera pour expliquer sa démarche. Il veut atteindre un niveau qui sera la pensée de l’œuvre.

Une fois que l’exercice d’iconographique sera fait, il utilisera une 3eme étape qui sera plus précise. Dans la connaissance et la compréhension du sens on accède a une sorte de sens. Elle nous révèle le sens ou la pensée de l’œuvre.

Aniolo branzino, allégorie de l’amour.

Si l’on défend ce que l’on nous présent en une première lecture, l’on nous parle de l’amour qui est une allégorie, c’est une représentation qui condense une idée.

Dans la mythologie l’on dit que les déesses et dieux sont des allégories.

Au niveau pré-iconographique l’on peut effectuer une première recherche picturale des symboles.

Masques, pommes, souffrance etc.

Suite du cours,

Texte de Joselyne Lupien, sens et blabl dans l’art.

Réflexion sur le concept de sémiotique.

Réflexion sur la notion de réflexion sur le type de signes.

La perspective sémiotique est une perspective qui prendra plusieurs facettes et chemin au court du 20eme siecle, il s’attachera a comment les choses prennent du sens. Panofsky a construit un modèle qui permit de quitter les perspectives historiques.

Il y a des notions clefs et des concepts qui reviennent souvent, tels que les représentations de signes.

Le signe visuel selon Peirce.

L’idée far au 19 eme siecle était l’évolution, au 20 eme siecle, l’idée far était la communication ainsi que le langage, ce sera le concept cléf des années 60.

Tant du coté philosophique que linguistique il y aura de grandes évolution.

Dans cette pensée d’allégeance structuraliste, celle-ci se montra redevable dans le paradigme qui entourait la pensée des auteurs.,

Il y eut un penseur précurseur, Ferdinand de Saussure ? qui mit en place un ensemble de concept clef avec une compréhension de la pensée poussée.

Ce sera une pensée structuraliste.

Le second pilier de cette pensée sera un américain, philosophe et mathématicien sera Charles han?

Dans la première partie du 20 eme siècle il s’interrogera sur le fonctionnement des systèmes de signes.

Contrairement à De Saussure qui s’interrogeait sur le système de langage il procédera davantage à une taxinomie, il veut comprendre ce système de signes qu’il essaie de classifier et catégoriser.

Nommer les choses ne nous apprend pas grand choses, cela nous permet juste de catégoriser. La pensée de Peirce est que cette façon de penser le signe va être porteuse parce qu’elle ouvrira dans les horizons sémiotique a une étude et les usages des signes visuels, l’on s’interroge sur les effets et les usages des signes.

Il s’interroge a partir de la, cette taxinomie donnera une pensée qui s’ouvrira sur un pragmatisme.

Peirce n’est pas dans l’approche de Panofsky, il a une notion de pragmatique différente et qui pourtant se rattachera à de nombreuses approches discursives.

Interrogation sur les usages et effets de sens rattaché à ce signe, par exemple, dans une perspective pragmatique si l’on voit un panneau d’arrêt stop, l’on ne s’interrogera pas sur la signification mais sur l’usage du signe en société et l’usage de ce signe sur les citoyens.

Effet ressentit par le spectateur ou usage que l’on fait par ses signes sont les plus importants.

A partir de cette taxinomie l’on s’interroge donc des effets et usages des signes visuels.

Réflexion sur la représentation. Classement exhaustif des signes en comprenant les signes visuels.

Un signe est un signe« s’il tient lieu pour quelqu’un de quelque chose sous quelque rapport ou à quelque titre.»

Ceci tient lieu dans notre rapport au monde, nous sommes toujours en train d’interpreter les signes sous divers degrés.

Il identifiera différents signes.

Les signes visuels aura plusieurs types de signes.

- l’icône c’est une notion très encré, c’est une façon de penser la représentation tr ès ancienne qui participait déjà dans la représentation des signes Grec.

Elle est dans la représentation ou l’imitation des signes visuels auxquels ils répondent. Certains signes visuels iconiques le sont si l’on considère que l’on retrouve ceux-ci dans les œuvres picturales et autres. Le signe iconique est une façon d’être représentative dans la similitude et la ressemblance. Exemple : la pomme, dans la dimension iconique l’on reconnait la référence auquel elle appartient. Dans la renaissance le symbole était plus complexe a reconnaitre et a associer aux autres signes qui sont a la fois iconique mais aussi a la fois symbolique. Ce que l’on voit très souvent est la dimension de ressemblance où de degré d’iconicité est fort, plus la dimension de ce que voulait exprimer l’auteur devient occulté.

L’usage que l’on fait de ses effets de signes donne un usage qui devient porteur.

Exemple : Cyndi Cherman, elle s’approprie l’imaginaire des paparazzis. Dans cette image l’on voit d’en blé la relation iconique. Il y a un imaginaire pré-existant. C’est une photo argentique. L’on sait que ce qui trouble la lecture de cette proposition est justement la relation du médium photographie argentique. Il a aussi une charge indicielle. Un signe indicielle contrairement a un signe pictural, est un signe auquel l’on associe une relation de continuité. Exemple une colonne de fumée l’on rattache un feu. C’est un signe indiciel qui est rattaché au signe continu.

Époque ou la photographie était une preuve en cours. Elle avait un poids de vérité justement au regard de cette dimension indicielle.

Jeu avec la mise en œuvre d’un savoir technique, jeu avec l’iconicité très élevé, a un tel point que lorsque l’on arrive devant ce genre de proposition l’on a un effet de saisition, la ressemblance est excessivement forte. Le spectateur oublie toute la dimension du faire, de la composition et de la dimension de l’œuvre.

Marlène Dumas, 2003. Jeune femme, investigation sur la mort, travail par le biers du dessin, travail iconique, elle travaille dans le film.

Évocation : cadavre, position, couleurs ; violence, impression de coups même si c’est un dessin; peinture aux impressions non finie; interrogation sur la construction du sens, espace chaotique, visage difforme, incertains du genre du personnage, représentation iconique du visage humain, dimension indicielle via la gestualité et la présence de l’artiste qui ajoute une charge au coté indicielle.

Pour avoir une prise de conscience il faut se rapprocher de cette création artistique pour se rendre compte que cette œuvre a été crée avec la seule emprunte de son pouce. Selon la puissance de l’impression il crée des ombres et des volumes.

Tcheuk lood ?

Processus allant un peu a l’encontre de ses mouvances dadaïstes et impressionnisme. Il va à l’encontre en reproduisant fidèlement des photographies à une échelle surdimensionnée.

- Le symbole : est aussi un type de signes visuels reconnaissables. La dimension symbolique du signe se rejoints au code. L’usage de mots dans l’usage pictural, pensée aux codes linguistiques du langage. L’agneau revoit au christ, par convention. Le symbole laisse tombé la sphère intime pour laisser entrer la sphère sociale. Lorsque l’on joue sur le symbole l’on entre dans la sphère publique, symbole partagés.

Propositions qui ramènent automatiquement aux conventions publiques. L’on perd l’espace intime.

Guerrila girls, réflexion sur les symboles et les conventions. L’on voit dans la facture même dans laquelle l’on joue le système très codifié l’affiche publicitaire.

Petit texte sur la dimension symbolique, visuelle et iconique dans l’œuvre nurse in love, impression jet d’encre et acrylique sur toile.

Perspective sémiotique et réflexion sur la construction du sens et de la signification.

Retour sur l’interprétation, la construction de sens et le décodage de signes.

Nous sommes toujours a la recherche des codes et des explications. La notion de code reste fondamentale dans tous les exercices et construction de sens.

Ils viennent façonner notre regard et notre interprétation des sens. Les systèmes de signes sont partout, l’on est toujours à la recherche d’une façon de décoder les sens, que ce soit dans nos relations, les distances que l’on entretient et autres, nous sommes toujours en train de respecter les codes et les transgresser.

Ces codes varient en fonction des contextes actuels. Codes intérioriser et manipulés de façon inconsciente. Exemples codes de distances.

Genévrière kadu ?, œuvre chapotant le musée d’art contemporain.

Dans l’art visuel l’on aime transgresser les conventions pour permettre aux participants de prendre part à ses conventions et règles qui nous gèrent.

Dans le regard des dimensions, les codes ayant régit les arts visuels ont eu plusieurs dimensions type en fonction du pouvoir pictural. Tableaux politiques ou historiques, œuvres colossales. Portrait, distance personnelle, plus petite œuvre.

Conventions inter personnel pour les portraits.

Exemple, joselyne dupien qui joue sur un code proxémique où une distance intime, l’on veut associer un espace intime ou l’on sollicite la plupart des sens.

L’imaginaire poli sensoriel est alors très sollicité. Dans cet apport scientifique elle travaille sur le fait de prendre conscience des distances et des codes qui sont mis à l’œuvre.

Nous sommes toujours en train de décrypter des codes et de produire des signes. Certains de ces codes ont des conventions, exemple panneau de signalisation, convention régie par des règles très striques.

La reconnaissance et l’assimilation du code se fait de manière habituelle.

Exemple : Aziz et Courchère. Perspective post photographique qui travaille sur cette question du code. L’on ne s’interroge plus sur la part de fiction et de quotidien, seul l’impacte compte sur le public et non la part de réelle où de fiction.

1988, exposé au marché bon secours

Est-ce que le signe visuel de la photographie est en transparence? Message sans code?

(années 50), de nos jours l’on sait que la photographie n’est pas d’une totale transparence au niveau du code et de la communication visuelle.

A l’égard de ses signes visuels l’on a plusieurs conventions où il est possible de prendre les conventions en comptes. Les systèmes de signes qui sont régies par des conventions striques dans cette proposition sont :

- Message politique vis-à-vis des yeux fermés et de la bouche unie. Interprétation.

- Codes : sens atteinds, l’odora, la vision et le gout. Genre humain système de signes (définition des traits spécifique du genre humain, notion clef)

- Tête de femmes légèrement baissée : soumission, sygnes avec le genre

- Portrait en buste, cadrage non transgressif et l’éclairage classique, commercial.

- Prise de conscience des codes qui façonne

Autre notion mise en fonction avec la notion de code est la notion de Kythe.

Notion très importante dont nous en parlerons beaucoup dans les années 60. Il y a toujours un poids idéologique qui vient donner un poids aux images.

Il y a toujours un poids, une culture publicitaire sur certains produits et autres.

Perspective poste colonialiste, exemple riz oncle bens avec le valet où aux avec les nounous. Les mythes sont utilisés, ce sont des archétypes de la culture qui sont véhiculé grâce à la culture publicitaire. Analyse des codes de la publicité afin de créer des techniques et de mettre en relief les archétypes du fondement de cette culture. A travers ces messages l’on cherche à vendre n’est pas qu’une représentation, mais une idéologie, une valeur sociale.

Dans les années 60-70 l’on continue de vendre des aventures imaginaires, exemple : les cigarettes Marlboro. L’on achète dans la culture américaine une idée et un sentiment d’affiliation avec le consommateur masculin, mais l’on crée aussi une figure héroïque du cow boys, mais aussi faire fantasmer l’imaginaire féminin mais aussi sur celui de l’homme. C’est le mythe du héroïque cow boy. Cadrage pour faire ressortir la virilité de l’homme. Vecteur de virilité. L’on pourrait imaginer un cheval fougueux etc. ici l’on voit qu’il tient les rênes de son cheval avec énormément de détachement. Il est en parfait contrôle de la bête qu’il matient. Parfaite obéissante a la figure virile du cow boys.

Mythe du cow-boy est la conquête de l’ouest, l’on note une idéalisation du passé et de la cigarette. Il y a un rapport très chargé vis-à-vis du personnage. Analyse spycalitique vis-à-vis des cigarettes sorties du paquet. Valeur de liberté que l’on vend.

Richard prince s’approprie aussi ces mythes avec une mise en relief sur la réflexion de la culture visuelle. Processus d’appropriation. Réflexion de la culture pop américaine.

Mise en relief des codes qui régissaient cette culture visuelle.

La fonction référentielle.

Cette réflexion sur le langage et sur les fonctions de communication mise en avant par ronan ??

Il va mettre en relief dans l’usage de la formulation de phrase ou encore dans le langage poétique, ce n’est pas toujours la fonction poétique qui est mis en avant, ce n’est pas toujours une fonction qui est la fonction préférentielle qui prédominera la fonction du langage.

Il mettra en relief 6 fonctions :

- Fonction émotive : émotion se dégageant dans l’énoncé

- Fonction référentielle : informer

- Conative : agir

- Phatique : maintenir l’attention

- Poétique : émouvoir

- Métalinguistique : commenter son discours

Le langage, la communication visuelle agit sur nous. Il la mettra en fonction sur le spectateur. Pour comprendre la pensée et la fonction du sens, ces énumérations deviennent très révélatrices.

Fonction référentielle. Réflexion sur l’histoire du mobilier au 20eme siècle. D’en blé si l’on se retrouve devant l’œuvre, l’espace blanc vient arrêter l’installation. Tout ce que l’on voit, ce sont une table et une chaise, lorsque l’on se rapproche l’on voit que c’est la fonction émotive qui prendre tout le devant dans la construction de sens, parce que la table et la chaise sont dessiné au crayon. La table et la chaise sont des objets réels qui sont dessiné dans l’espace. L’on a une appropriation d’objet, sauf au moment ou l’on se rapproche où l’émotion prend le dessus.

Dans l’émotion lorsque l’on feindre celle-ci l’on utilise la distanciation. L’on utilise le je, feignant l’oblitération, l’on n’a jamais d’absence de je.

Tension consente du je.

Dans les perspective sémiotique l’on s’interroge sur le comment l’on perçoit le sens. L’on s’interroge sur la construction du sens, comment cela fonctionne?

Exemple : écriture de ben. Dérivé de sa production visuelle, agenda, carnet de note etc. il y a une dimension plastique des signes, tels que l’écriture, la typographie elle est chargée de sens, on joue sur le JE l’identité. Nous avons la trace directe d’un texte écrit a la main par l’auteur lui-même, l’on crée une dimension plus intime tout en faisant l’abstraction du contenu de l’énoncé.

Il y a une fonction émotive qui se déploie dans le choix de cette typographie.

Distance, froideur, annonymat. De part et d’autre la fonction émotive est la.

A gauche, l’œuvre de joseph causo ? .

A l’égard de la production, il y a un sens.

La fonction conative.

La fonction conative domine lorsque l’effet principale et de produire un effet sur le spectateur.

L’on veut influer sur le cours des choses par notre proposition artistique et notre communication visuelle nous voulons changer le cours des choses et influencer sur la vie de celui ou celle qui recevra cette proposition. Il y a des fonctions ou la fonction première est celle d’exprimer un je, celle de faire sortir au sujet créateur où l’on ne se souci pas de l’effet que l’œuvre aura sur le spectateur.

Exemple : le flash mob, la journée sans pantalon à new york. Création des évènements où l’on invite à participer, la proposition n’est pas complète lorsqu’il n’y a pas d’effet sur le spectateur.

Effet de communiqua, gens participant et interaction.

Transgresse le support pour donner un support politique vis-à-vis des avis des guerrilia girls.

Action sur le spectateur.

Orlan, réflexion sur les cannons et oppression sur les critères de beautés. Théâtre chirurgical.

Cyndi jackson--» objectif de vie, pas critique, juste envie de changer, changement possible grace au contexte actuel pour changer d’apparence.

Ces propositions nous amènent à réfléchir vis-à-vis de ces actions.

La fonction phatique.

La fonction phatique est centrée sur le canal par lequel se fait le contact entre l’émetteur et le récépteur. L’on fait un rituelle des événements sociaux, l’on fait un rituelle de se regrouper une fois par an. Ce qui devient important est la participation.

L’on peut déployer cette fonction de différente façon.

Les cadres et expériences qui se déploient en université et en dehors. Ici l’on voit ce laboratoire accompagné de l’artiste qui a construit cette installation. L’on voit la construction du laboratoire et ont accès a cet espace. La fonction phatique joue aussi pour le spectateur dans l’espace meme, l’on va déployer un arsenal qui va tourner autour de la recherche dans un laboratoire médical.

Instrument sous celés, boites etc etc. tout cela est organiser de manière a soliciter notre regard, c’est la ou se joue la fonction phatique.

Nous sommes devant un amoncellement d’objet qui attachent notre regard et nous permet de voir jouer dans l’espace la fonction phatique.

Nous sommes invités à suivre le mouvement de l’artiste bien que son regard reste attaché aux détails l’entourant.

L’attention est maintenue lorsque l’on joue dans le détail. Pour jouer la mise en scène, l’on installe des objets qui font croire aux rituelles du laborantin.

Rituelle du quotidien.

L’on est moins amené à faire une posture critique, figure du laborantin. Espace clos du laboratoire, énoncé clairement que nous sommes dans un tel espace.

Dimension efficace dans ce genre de proposition.

Ici l’œuvre agit sur les spectateurs, cette proposition crée un moment intense.

Chorale qui chante, possibilité de se mouvez autour de cette chorale par le bier des hauts parleurs. Inscription dans la durée, partie du chœur entendue lorsque nous sommes a coté d’un haut parleur, espace de la musique.

Forty part motel de jannet cardiff.

La fonction poétique.

C’est un jeu qui touche à l’image, c’est une transformation de l’image par le code.

Elle est centrée sur le message en jouant sur sa structure et sur la façon dont celle-ci est organisé.

Elle se manifeste par des phénomènes d’équivalences entre éléments du message lorsque des effets de sens sont obtenus par un jeu sur le code ou lorsque le message se caractérise par un agencent inhabituel des éléments du code (effets de rythmes, assonances, images, répétitions etc.)

De manière poétique le fauteuil s’enlace. Nous sommes dans la fonction poétique lorsqu’il y a un rapport encire la fonction et la forme.

Cadeau de man Ray, rupture entre la forme et la fonction, objet poétique qui ne change pas la vie, univers où prévaut la forme et la fonction.

Coquetier avc une bouée de sauvetage.

La fonction méta linguistique.

Elle nous amène a réfléchir sur les œuvres de l’histoire de l’art.

Dans cette œuvre de jean marc matthieu lajoie, l’on s’approprie un jeu un peu plus conventionnel tel que le casse tête, l’on essaie de reproduire l’image sans la voir.

Le casse tête devient un instrument poétique, l’on nous amène a prendre conscience de la rigueur de ce système, jeu sans ayant le jeu, il n’y a pas de coté ludique à cette manière de jouer.

Rigidité du langage. Il y a une fonction méta linguistique puisqu’il y a des nano puzzles.

Les puzzles sont changés de places, il change le coté casse tête rigide en une nouvelle configuration du signe iconique dans la culture occidentale : le portait de Van G.

La fonction nous amène à réfléchir sur le code et le médium, elle est très présente dans l’art du 20 eme siècle dans des propositions ou l’on nous amène à réfléchir sur le concept de l’art.

L’on utilise les supports et stratégies actuelles. C’est quelque chose de souvent utilisé.

Casse tête du pape. Appropriation du jeu dans quelque chose de ludique.

B. Cruguer, investit les panneaux publicitaires qui nous amène a réfléchir sur le monde de l’art et la culture artistique.

Proposition faisant réfléchir et saisissante à l’époque.

Énoncé les attraits spécifique des œuvres, pas d’observation générale, rattacher les commentaires autour des œuvres.

Jocelyne Lupien : perception poly sensorielle.

Cette sémioticienne travaille dans une étroite filiation avec l’héritage de saint martin en élaborant une analytique des styles perceptifs.

Elle part du postulat que l’art et l’expérience esthétique ont le pouvoir de rendre intelligible l’univers qui nous entoure.

D’avantage vers la théorie de duplication. Comment une œuvre vient expliquer une expérience sensorielle. Comment a l’égard de certaines propositions celle0ci agissent sur une sensorialité.

Sa voix de recherche et son travail sémiotique s’inscrit en étroite collaboration avec fernande saint martin qui enseigna a l’uqam (s’intéresse au langage et peinture abstraite).

Elles chercheront des outils pour comprendre le langage abstrait.

S’inspirant des avancées de la psychologie de perception visuelle pour élaborer des outils qui permettent de crée une construction de sens vis-à-vis des œuvres abstraites.

Si l’on se retrouve devant une œuvre tels que celles de newman, l’on peut comprendre ces œuvres bien qu’elles ne nous amènent pas a comprendre une histoire.

Bien souvent ces peintres du 20 eme ont réfléchis vis-à-vis de ses propositions.

Elle élaborera une méthode très vigoureuse. Elle créa une technique pour comprendre les œuvres d’art a travers une démarche vis-à-vis de la sensorialité.

On hésite de parler de langage visuel, c’est plus un langue de sensorialité

Le style perceptif.

Indices dans les éléments de la cultures visuelle nous amenant a faire une différence entre plusieurs types de perspectives.

Avec le travail de lupien, l’on passe a des styles poly sensorielle.

Exemple si nous abordons une représentation qui est une nature morte, elle peut solliciter des indices sensoriels.

Deux niveaux de lectures pour le contenu iconique. Lecture tenant d’avantage de la dimension réelle et pragmatique des œuvres d’arts.

Elle cherche a mettre en reflief : comment a différente annéesl’on cherche a donner et mettre de l’avant des sensations avec la perspective, tactile et gravité où la présentation du corps.

Décontexturalisation de l’objet rigide et solide du quotidien, gravité mise a l’épreuve dans la proposition.

Mou, dur.

Koons : perspection visuelle, tout un espace se déployant, tactile, (lisse), joue sur l’idée du posturale, sollicite notre sens thermique. Expérience du froid

Dimension posturale : corps dans l’espace, gravité, honrizontale etc, comment on imagine notre corps sollicité dans l’espace.

~~Objet actuel, contemporain.~~

~~Lire le texte de jaceline rose et Régine robin~~

La performativité de John l. Austin.

Liens entres arts et psychalanise. Intérêt sur le spectateur et au pouvoir sur celui-ci. Effet de captation.

Présentation sur la réflexion sur un cadre de référence, un paradigme ayant des idées phare qui animera les approches discursives.

Le post structuralisme :

Les notions phares présentée dans ce paradigmes sont importantes dans ces réflexions. Comment un paradigme agit comme catalyseur? Il nourrit notre façon de penser le monde et d’interpréter les objets.

Retour rapide sur le concept de pragmatique et concept de performance.

L’initiateur de ce concept et john austin, héritage philosophique et théorique sur les dimensions performatives sur le languague.

Notion majeure pour apprendre les notions majeurs.

Le performatif :

La dimension performatif du langage dans la vie courante nous importe dans un contexte de post modernité. Ce concept deviendra important ouvrira une option de performativité dans laquelle l’on donnera énormément d’ouvrages. Il y aura une notion fétiche. Il y aura un délaissement pour laisser les signes agir.

Critique poststructuraliste de Austin :

Plus de distinction entre l’usage du langage dans la vie ordinaire et l’usage du langage dans la fiction.

Ouvre la porte a cette perte de la frontière entre la fonction du réel et de l’imaginaire. Plus de séparation.

Réel et fiction, notions de pouvoir.

Intérêt sur le regard du discours sur le pouvoir et autres.

Retour sur la notion de pouvoir. Michel fraud ne s’est posa seulement interresé au pouvoir du gouvernement, micro physique du pouvoir, comment dans les sphère de la société, mis a part de la communication visuelle, nous sommes toujours dans une stratégie du dominant et dominé.

Folie, prison, asile, stratégie de l’enfermement. Histoire et stratégie disciplinaire. Dans tout régime de savoir, il y a des stratégies de pouvoir que l’on apprend a maitriser. Sujet a un dressage. Dans les sphères culturelle l’on cherche à mettre en relief les stratégies de pouvoir.

Exemple : santiego sierra.

Met en relief les stratégies de mise en relief du pouvoir, paie des personnes, des mandiants et prostituée pour participer a son intervention artistique. Mise e =n avant de la lecture de l’étre humain comme commodité. Activisme culturel qui s’inspire de cette pensée.

Perfomance et simulation.

Dans ce paradigme culturelle ds lequel nous évoluons nous avons bcp de question sur les simulations, le simulacre. Question sur notre propre sphère culturelle.

Le réelle disparait au profit du simulacre, pensée au poste modernisme et aux théories se rattachant à ces téories culturelle.

Souvent critique de la simulation de l’image.

Etre humain dressé de différente facon pour désirer un nouveau produit, tel besoin etc.

Le jeu :

Notion far dans notre ere de la simulation et l’interaction sociale, l’art comme expérience est incontournable. De ce fait, la notion de jeu deumeure et est encore plus importante que jamais, envie d’intéragir et d’introduction ludique dans les propositions artistiques.

Notion de jeu ds la sphère sociale.

Les jeux et des hommes sera un ouvrage des plus important avec une nomenclature latine. 4 grandes cathégories de jeux, type de jeux comme le sport, jeux de nature cérébrales etc.

Mise en relief dans les types d’intéracgtion sociale deux niveaux de jeux : le deeplay, investissement psychique et le shallow play.

Degré de performativité différent, autre vision de l’analyse et des codes. Règles des jouets.

Dee play : investissement psychique, contenu dans la proposition moins de distance critique

Etre humain comme espace de jeu, enumérateur en tant qu’espace de culture, homo ludien, dimension de jeu.

Shallow play : participation a distance. Exemple flash mob gare d’anvers centraal station antwerpen gaat ult ijn dak!

Dimension de jeu bénéfique. Reaction réconfortante structure dans le happening. Organisation autour de quelques personnes, pas de mouvements inventés mais mouvement que l’on retrouve dans la mélodie du bonheur. Structure de départ avec invitation lancée et préparation avec quelques dizaine de personnes.

Engouement pour les flash mob, effet de jeux.

Idée de communitas. Plaisir de faire l’action ensemble, de se joindre à une communauté encore plus large et événement associé ensemble sur youtube. Ampleur colossale et gout pour ce qui touche le jeu.

Flash mob retrouvé dans la publicité.

Art et spychanalise :

S’inscrit bcp sur une question de pouvoir vis-à-vis de la mise en relief, pouvoir de guérison et libérateur avec la dimension du pouvoir avec des ouvertures.

Petit retour sur l’héristage freudien ; important et déterminant dans l’art, inspiration que sera la théorie freudienne de l’inconscient, incontestable et incontournable. Inspiration des processus qui seront mis en place par les suréalisme dans la premiere partie du vingtème siècle. On visait a se rapprocher d’une certaine intériorité et libération de l’etre et des émotions via un bier où l’on n’exercait aucune censure, premier artistes qui investiront une dimension libératrice.

On utilisait pas chez freud, les réserves a l’égard du pouvoir cathartique des images. On considèrait que cette dimension cathartique ou encore ce pouvoir de contenance et de guérison qu’on associait aux images était considéré comme de vieu relant de primitisme.

On ne voulait pas voir le pouvoir de contenance et de trnsofrmation des images. On voyait les images essentiellement dans leurs dimensions symbolique et dans le méchanisme de celle-ci. Archéologie de l’image. Investissement de l’image dans une représentation symbolique et personnelle.

Suite a la théorisation freudienne on verra une dimension libératrice de l’inconscient, pulsions, de vie où de mort. Capacité de libéré pour un sujet individuel.

Prise en considéraion le méchanisme du reve. Analogie entre les œuvres d’art et les rèves.

Les méchanismes du reves.

Symbolique : ensemble des symboles à significations constantes qui peuvent etre retrouvés dans diverses productions de l’inconscient.

Figurabilité : soumissions des pensées du reves à une selection et une transformation qui les rendent à meme d’etre représentées en images surtout visuelle.

Condensation donnant un éffet d’étrange au reve. Chaque symbole dans nos reves sont personnel.

Théorie de freud retrouvée dans l’art.

Exploration de l’écriture automatique, dessin automatique : exercices sans sansures. Etre capable de ne plus exercer une certaines répression sur sois.

Dans cette mouvance on utilise la libération de l’inconscience par le libératisme????? Oo

Image avec ou sans mana :

Dans cette image de suréaliste l’on parlait surtout de son pouvoir , la question meme du pouvoir guérisseur de l’image a été totalement mise de cot dans la mesure où l’on s’interressait surtout a la symbolique…. ?

Dimension d’analyse finie, condition perversse, fétichisme.

On ne voulait plus attribuer du pouvoir aux images.

Image contenant un peu de ce qu’elle représente. Avoir le reflexe de garder l’image. Attache au pouvoir de contenance de l’image.

Image importante : néolitique dessin des morts et perdu avec croyance qu’il y avait un peu de la personne, incones grattées etc.

Par leurs fonction d’enveloppe les images ont aussi un pouvoir.

Image est dérivé du mot imago qui désignait le moulage en cire.

Dimension libérateur dans l’image.

Fonction d’enveloppe de l’image.

Image psychiques et réelles agissent comme contenant où comme enveloppe.

Pouvoir de transformation de l’image et ses pouvoirs liés : talisman

Image comme catharsis et comme enveloppe intersubjective.

Les enjeux liés à la construction du genre et de l’appartenance culturelle, de l’intime sont des questions primordiales dans diverses postures académiques actuelles…

Rattachement a la posture a cadémique dans lesquels nous évoluons. Tout ce qui touche l’identité sociale et personnelles, question se rattachant a l’intimitée, les parties de genres…

Les notions d’identitées sont des notions phares.

Identité :

Concept longtemps resté margical dans les sciences humaines. Il a fait une irruption massive a partir des années 90.

Question collective, identité personnelle. Question sur sa propre identité.

L’identité personnelle :

Terme privilégié par les psychologues et psychanalystes.

3 facettes de l’identité. Ces 3 facettes se déploient en parallèle. La question d’identité sera approchée selon ces 3 facettes.

Le choix matériel (corps), choix social (question vis-à-vis des gens) et le sois connaissant (se rattache a l’idée d’être un sujet autonome).

Video : gilian wearing : 2 in one 1997

Dimension sur identité personnelle. Récit.

Mireilleloup.com

Une part reelle l’autre jouer, identité sociale et des perceptions des identités.

Paul ricoeur et l’identité narrative :

Question de l’identité dans les postures artistiques et sociologique actuelle. Paul ricoeur représente le fait que l’on mette en relief l’image unifié du moi.

Conscience unifiée : je pense donc je suis.

Analyse de la pensée, négociation de la personnalité.

Le sur moi : interdit parentaux

Le moi : qui tente de faire l’équilibre

Pour lui cette idée de l’unité de l’identité a perdu de son presige, l’on est plus dans une perspective de son identité narrative, identité en devenir qui se présente ss la forme d’une histoire racontée. Facon que l’on se percoit. Différence vis-à-vis de la vision de certains volet. Conception factuelle et unitaire d’une perspective d’une identité fragmenter. Autant enjeux pour individus que pour groupes sociaux qui reconstruisent.

Conception importante et influente sur de nombreuses propositions artistiques.

Interet pour l’auto fiction.

Ex texte régine robin.

Stratégie idebtitaires et autofiction narvisse ou prot.e

Narcisse jeune homme d’une grande beauté tombé amoureux de son visage

Protée : divinit. Marine grec, vieillard de la mer, identité en métamorphose constante. Don de divination, de visionnaire.

Réflexion autour de la question de l’identité à travers les réflexives féminisme et perspective dans un champ historique.

Horizon de savoir se rattachant a un champs scientifique, les études culturelles. L’origine anglo saxonne de cet horizon scientifique aux cours des années 80 et 90 s’est rependue. Ces perspectives scientifiques ont succité énnormément d’engoument aux états unis et en angleterre. Ouverture de plus en plus grande se rattachant au champs des études culturelles. Se qui caractérise ses perspectives critiques, c’est leurs dimensions pluridisciplinaire. On valorise la combinaisons des études critiques. Le camps des études culturelles va naitre des horizons sociaulogiques. La perspective sémiotique. On peut comprendre les effets et la construction de science. L’histoire est cherchée a etre comprise. Englobe les perspectives dites féministes sont de plus en plus rattachées à ces perspectives scientifiques. Volontée d’inclusion, accorde un interet scientifique et critique pour tout ces groupes culturelles qui ont été exclus.

Tout cela est rendu possible grace a l’attitude académique du post strucualiste. Il valorise cette attitude. Il chapote la question des woman studies, gay et lesbian studies etc. tout les types de groupes culturels et d’appartenances sont abordées dans ces perspectives scientifiques. D’une manière générale, tout ce qui rassemble ces perspectives est que le principal intérêt est celui de s’interresser à ces groupes exclus.

Une attitude et préoccupations partagés par les scientifiques et artistes. Actuel depuis les années 60. Désacrélisation de l’art et des rapports sociaux pour réfléchir dessus. Contexte culturelle dans lequel l’on évolue. Ne précède pas les contextes culturels. Fait partit de la meme attitude.

Un ensemble de praticien et de théoricien pratiquent ces questions.

Quelque chose de nouveau et de narratif fut proposé. Question de l’identité poussé plus loin. Thème tr`s cher a plusieurs approches artistique qui s’inscrivent dans une perspective féministe où politique. L’on a longtemps considéré que l’intimité était une affaire féminine, elle n’avait pas sa place dans les espaces cités et galeries. Proposition très audatieute. Identité d’un thème peu glorieux. Image sociale et pouvoir de l’artiste. Mystification du 20éeme siècle.

Carte de l’autofiction jouée, tracey emin jouera sur cette identité tragique.

Carte de l’artiste comme figure tragique qui se déploie sous nos yeux. Question de l’intime et de la présence. Artéfact qui laisse une trace de cette performance. Atefac réel de cet épisode vécus par l’artiste. Part biographique et part fictive (théatralité). Dès que l’on se questionne de la part entre le réel et le jouée, c’est que nous sommes dans la fiction. L’artiste aurait très bien pu de présenter ces artefacs dans l’appartement de l’artiste et non dans la galerie. La galerie ajoute a la fiction. Espace non reel.

Espace théatralisé. Un musée, une galerie. Pure sémantique qui permet de déployer cette tension entre la fiction et le bibliographique.

Idée de désacralisation de l’art sera une idée sur laquelle l’on travaillera. L’on cherche a changer son rapport a l’art. l’on accorde peu d,importaqance a la notion de l’art. la culture de la réception sera abordée de manière indiférencier. L’on veut déchirarchisé notre rapport a la culture. C’est pourquoi dans ces perspectives l’on ouvre sur un ensemble de production qui n’aurait pas été inclus dans la notion de perspective d’avant.

Annie sprinkie, postpornmodernist shoz new york, 1992

Elle choisit de démystifier la sexualitée humaine. Dimension de la performance. Elle crée des événements et fait le tour des galeries d’art, est considérée comme artiste a part entière grace a cette ouverture critique. Intégration de ces propositions.

Vision de l’intérieur de son corps possible.

Cultural stuidies : premier temps en grande bretagne, années 60. Michel foucaud, envie de renverser les idées, la culture populaire. Contre la lecture du consommation culturelle aliéné. Horizon critique ayant une perspective politique. Des actions. On pense et élabore cette pensée critique en changeant l’ordre des choses. Horizon scientifique très vaste.

Logique d’insclusion entrera plusieurs dimensions critique, inclusion. Donné la parole aux groupes sociaux exlu du discours.

Dimension dadaiste.

Militisation de ces postures critiques. Elles seront de plus en plus politique, la critique devient performative, l’on veut changer l’ordre social et l’ordre des choses. Auparavant les critiques étaient des observateurs, ils contemplaient, décrivaient et interprétaient. Ici le critique agit. Il a une dimension performative. Elles agissent sur le monde dans leurs reflexions et élaboration théorique. Ils veulent faire bouger les choses, important dans cette perspective. Enjeux majeur.

Tout cela donne le droit de citer de certaines œuvres qui n’auraient jamais eu leurs places dans l’art. Mise en place du langage universel dans l’art plastique. Regard monolithique sur les choses «regard de l’homme blanc.»

Mise à mal de la façon dont nous avons de penser notre culture. Multiplicité de la culture.

Art et féminisme.

Millitantisme politique et féminisme. Nous avons au cours des années 60-70 il y a deux voix qui vont se développer.

Le égalitarismee : posture critique et politique. Rétablir l’ordre des choses. Remettre a travers les institutions. Réflexion déterminante.

Guerrila girls dimension égalitaire, même espace de représentation dans la société.

La construction du modèle féminin.

La perspective essentialiste. Recherche d’une égalité entre les hommes et les femmes. Abord de la vision féministe par le spécificité. L’on recherche un discours qui modelisera l’égalité, mise en relief de la spécificité de la femme.

Regard qui modelisera le discours. Regard essentiellement féminin, remplace l’ordre des choses. Autre perspective importante.

Reflexion sur la construction sur l’identitée de la construction du féminisme. Identité du genre. La question du genre a presque surplanté les premières approches critiques féministes.

La question du genre est une notion absolument cruciale. C’est devenu une facon de réfléchir sur le monde et la culture d’une manière extrêmement importante. Toujours présente dans certaines propositions. Notion phare.

Féminisme et gender studies.

Comment le genre est une identitéconstruite. Comment nous apprenons a performer le genre. «on ne nait pas femme on le devient»simone de beauvoir. Toute perspective universalite est remise en cause.

Le genre n’est pas une naissance antérieure a la constitution d’un individus, c’est une identité sociale que l’on apprend a performer. Différente perspective. Quel part tient de l’inné, de l’acquis.

Mise en relief des caractéristiques de la féminité; corps et autres. Le pouvoir politique s’adresse aussi au corps. Il dresse les codes. De manières réelles les grandes corporations nous amène a prendre un dressage. Identité de genres. En 1972 nous sommes encore en plein dans une perspective loin d’être anti conformiste. On voit sous nos yeux un retour très conformiste a l’égard des identités féminines et masculines. Culture médiatique qui nous entoure.

Reflexion sur l’identité sociale.

Intimité décrié, pas bien recus dans la premiere partie du 20éme siecle. Portrait de hannah wilke, so hel hannah, protrait de l’artiste et de sa mère qui avait un cancer. Représentation du corps féminin mal recue. Cancer du sein. Elle choisira d’élaborer une stratégie documentaire de ce que l’on peut vivre dans l’espace intime.

Identité de genre dans une perspective post colonialiste. Comment les stratégies qui façonnent notre identité son parfois très insidieuse. Notre imaginaire a été façonné par des camps qui avaient une conception féminine et masculine. Exemple : princesse et prince.

Perspective féministe importante, logique de l’inclusion. Plus d’exclusion.

Parfois certaines propositions offrent une représentation de groupe de d’individus qui n’auraient pas le droit d’entrer dans l’art (exemple travestit), frontière ténue.

Nécessaire logique de l’inclusion dans le monde qui nous entoure. Trouble identitaire très difficile. On n’est pas dans le bon genre, trouble qui demeure.

Post colonialisme, hacktivisme et sociologie d’enquête.

Receuil & notes , exercice final.

Retour sur l,héritage culturel et discursif sur les Cultural studies.

On s’interresse dans cette perspective une favorisation d’une approche pluridisciplinaire. Enjeux tres important dans les perspectives critiques, s’interresse a la question d’un prosessus social.

Observation de ce propcessus, important : on mise sur des approches interpretatives qu’explicative. On est dans une position de compréhension culturelle d’un point de vue donné. Point de vue culturel et géographique. Avis non arreter et fixe sur la culture. Processus continue.

On cherche a comprendre une approche en fonction d’un contexte culturel donné. On est dans l’interprétation.

A RETENIR : toutes ces approches dimension critique qui cherche a faire bouger les choses, perspective performative par un billet de processus reflectif, interprétation, participation au débat.

Particulier qui se rattache a ses voix académiques.

Distinct par la sociologie.

Contexte particulier dans le champs de l’art, pas de posture critique et performative. Pas d’influence réelle.

Insluflé la dimension performative. Les approches discurvives, discours que l’on produit souhaite également faire bouger les choses. Ces critiques qui s,inscrivent dans le champs des études culturelles souhaite participer dans cette politique.

Caractérise les elements clefs.

Pas posture analytique où competitive, agissent sur le cours des choses. Bien ancré dans un contexte socioculturel bien définit.

Dans ses perspectives, voie académiques, il n’y est pas du tout question d’un point de vue philosohpique de se positionner comme un lecteur de point de vue universel. Le point de vue de l’artiste est déterminant dans la reception du sepetacteur, elle n’a pas tjs été uniforme, contexte historique donné. Lecuture des propositions culturels.

Pas de lecture égémonique, détermiannte et monolitique.

Michel foucault.

Insiste sur le fait que la connaissance n’est pas une supra historique, la connaissance résulte de l’effet d’une lutte d’un rapport de force.

Pouvoir et biopolitique.

Concepte du biopolitiaue. Redevavble de cette notion qui moidèlise les discours.

Approche discurvies annimées par ce terme. Regard et point de vue important.

1974 définition de ce concept. Énnonce les bases a rio, contrôle de la société sur l’individus, importe avant tout sur le corps et par le cors.

Perspective de la sosciété de consommation dans laquelle on évolue, besoins et stratégie s’adressant directement au corps. Le corps se rattache a des prototypes.

Regard européen qui monopolise les regards culturels, interet ethonologique formel apparait plus tard.

Amorce au cours des années 50-60 l’art ne devient plus qu’européen.

Le spectacle où la proposition artistique ne nous interresse pas dans l’ensemble. Producteur et récepteur médiatisé par des images.

Question des mises en scènes retrouvés dans les musées d’hygiène sociale. Diversement très couru, mondiale. Passion pour ces musées qui sont en quelques sortes des productions culturelles dans lesquels l’on veut vulgariser la science.

Mise en garde contre les analyses. Artistes passionné par les développements des sculptures transparence, des fonctionnement de l’etre humain.

Résulat d’avancée technologique.

On veut que l’etre humain devienne une machine, machine deviennent des antité organique.

Transmission du savoir sur le corps humain, mais derriere il y aune transmission capitaliste. Soustient de la part de l’état pour toucher plus de population, on veut transmettre des connaissances et aussi user d’une stratégie biopolitique au travail.

Démarche réflexive, aucun décors, rien qui ne dit perturber le commentaire.

Proposition performative post colonialiste importante. Jeux sur le matériel de a réalité.

Mcvideogame ; molleindustrig.org ;

12 avril

La sociologie d’enquête.

Mutation anthropologique, ouverture sur l’hyper modernité. Considération ammenée par les chercheurs, réflexion sur notre époque et comment nos conditions nous modèlise, changement de la pensée humaine.

Deux approches très porteuses.

Entée dans une perspective de la sociaulogie d’enquete et de voix de reflexion. Nathalie anisch.

Le triple jeu de l’art contemporain.

Pouvoir symbolique de l’artiste a a travers les ages, ouvrage.

Dans les années 40-50 des auteurs vont réflechir sur le developpement des jalons d’une histoire sociale de l’art. ceux-ci vont nous amener un poser un nouveau regards sur les corpus artistique. Mise en reflief les liens établis entre les mécénes, artistes et marchand, comment tout ces liens étaient représentés.

Les mécènes sont représentés sur certaines oeuvres.

Mise a jour des liens très étrois entre la commande de l’œuvre et la réalisation. Contenu mm de la représentation, portraituré avec leurs pouvoirs symboliques.

En découlent des travaux de pierre bourdieux.

Enquete importante, s’interroge sur les publics qui fréquente les institutiobs muséales et sur la reception de certaines œuvres, enquete qui amène a se rendre compte que le public ne passe que tres rapidement les œuvres, davantage se rendre compte des noms auxquels les œuvres sont associées.

Habitudes de reception des publics. De la nathalie hamisch s’insterresera a établir une morphologie des gouts, comment mettre en relief le fait que s’associer a tels production artistique c’est aussi faconner son identité. Établir une culture d’appartenance, comment dans certains groupes sociaux vont choisir une série d’œuvre.

Ds nos interets pour certaines œuvres il y a la un facteur important identitaire.

Ce qui nous interresse dans l’art est un déterminant pour se former une identité.

Morpholigie des gouts important.

Fonctionnement de l’institution de l’art contemporain abordé comme une société. Production dans le champs académiques cherche a comprendre les portes. Autonomiste de l’art contemporain, fonctionnement de la dynamique interne. Monde particulier.

Ne fait pas de liens avec des enjeux sociopolitique extérieur. Elle formule l’idée que l’art est une forme d’acrivité sociale comme une autres qui posséde ses caract«èristique propre.

Les problèmes de reception(rapport entre institution et producteur) etc.

Nathalie heinich.

Logique des avant-garde, structures qui sera toujours la meme. Producteur proposant des œuvres transgressive, provocatrice, réaction oppositionelle de la part du public.

Dimension formelle et matérielle de l’œuvre pris en compte dans les discours qui les accompagnent.

Mise en relief du rapport entre artistes et prescripteurs décisif, ne s’agit plus de dire que c’est de l’art, mais de le faire dire

La transgression s’emporte de telle façon que la frontière de l’art recule de telles frontières,

Qu’est ce qui pourrait bien ne pas être de l’art? trangression choc qui frappe l’imaginaire.

Trangression des conventions plastiques, on s’interresse a la question ds cadres moraux où juridques.

Il s’agit de faire de l’art avec ce que l’on ne considère pas comme de l’art.

Démarche iconolâtre qui consiste a tt lui accorder, a exiger son extension a la totalité du monde.

Cadre d’expérience,

[Histoire de l'art] L'art corporel.

2011-12-03T18:46:00.000-08:00

Le Body Art de nos jours ainsi que ses origines se trouvent être le sujet que j’ai sélectionné pour cette recherche documentaire.

Introduction:

Le nom de cet « art » vient de l’anglais que l’on peut traduire par Art Corporel.

Définition : Le Body Art est une pratique consistant à effectuer des modifications corporelles via l'ajout d'éléments de décorations. Ce procédé consiste à effectuer des modifications corporelles via l'ajout d'éléments de décorations comme le piercing, le tatouage ou encore la scarification. Cette méthode remonte à la préhistoire et avait des significations sociales ou culturelles.

L’origine:

- Tatouage

Tatouer est une pratique courante en Eurasie depuis le néolithique. « Ötzi », l'homme des glaces arbore des tatouages thérapeutiques.

Dans le bassin du Tarim (Xinjiang en Chine) fut retrouvé plusieurs momies tatouées.

Encore mal connues certaines de ses momies pourraient dater de la fin du 2^e millénaire avant Jésus Christ.

Trois momies tatouées ont été extraites du permafrost de l'Altaï dans la seconde moitié du xx^e siècle. Leurs tatouages mettent en œuvre un répertoire animalier exécuté dans un style curviligne[1].

Le tatouage fut mal considéré dans la culture occidentale durant plusieurs années aux vues de son histoire vis-à-vis des condamnations judéo-chrétiennes qui l'entourent. Le Judaïsme interdit toute inscription entaillée et marquée.

En Europe l’ont redécouvrit l’art du tatouage lors des explorations dans le Pacifique sud avec le capitaine James Cook dans les années 1770. Les marins s’identifièrent alors à ces marques et ce jusqu’a la Seconde Guerre mondiale.

- Piercing

La pratique de la perforation du corps pour y insérer un ornement est ancestrale. Au néolithique, en Afrique, notamment chez les Mursi[2] qui se perçaient et inséraient des labrets en pierre qui étaient insérés au niveau de la lèvre inférieure ou aux lobes des oreilles.

Le piercing au nez est une coutume provenant de l'Inde. Il était, à l'époque, réservé à une certaine élite.

En Inde, le piercing au nez est couramment porté par les femmes depuis le xvi^e siècle.

Au temps des pharaons, les hommes portaient des boucles d’oreilles en or, symbole de haut niveau social. Les perforations du nez et des oreilles étaient réservées aux pharaons et autres membres appartenant à la famille royale.

L’on retrouve certains détails de cette pratique dans la bible : Genèse 24:22, le domestique d’Abraham a donné des boucles d'oreilles ainsi que des bracelets à Rebecca, épouse de son fils Isaac.

Dans Exode 21:6, le piercing est une marque d'esclavage à perpétuité ou d'affranchissement consenti par l'interprétation du verset 5. 5. Le percement de l'oreille, courant En Syrie ainsi que dans les pays environnants, l’oreille percée était aussi une marque de servitude, il symbolisait l'obéissance que le serviteur devait à son maître.

En Amérique, la perforation de la langue était populaire dans l'élite des civilisations aztèque et maya. Cette perforation n'était qu’un élément rituel non permanent. Il était supposé créer un contact plus important avec les Dieux.

Ces deux civilisations précolombiennes portaient des bijoux aux oreilles, au nez ainsi qu’à la lèvre inférieure. De telles décorations continuèrent d’être populaires parmi les peuples autochtones de ces régions.

- Scarification

La scarification sociale existe depuis des millénaires. Pratiquée en Afrique, elle remplace le tatouage qui ne se distingue pas sur les peaux sombres.

La scarification sociale appartient à une signification particulière : elle est le rituelle de passage à l’âge adulte ou d’appartenance à un groupe restreint.

Elle s'effectue à l'aide d'outils coupant tel que morceaux de pierre, de verre, de coque de noix de coco où de couteaux.

En Occident, la scarification a attiré les adeptes de modification corporelle. La scarification laisse volontairement des cicatrices visibles.

L'aspect esthétique est au cœur de la démarche, elle fait partie des modifications corporelles et s'apparente au tatouage. La douleur et la volonté de détruire son corps dans un but esthétique devient une mutilation révélatrice d'un comportement psychologique.

- Body Paint

La peinture corporelle ou body-painting est une des premières formes d’expression plastique utilisées par nos ancêtres.

A la préhistoire, nos ancêtres découvrirent la terre colorée, le charbon de bois, la craie, le jus des baies colorées, le sang des animaux et bien d'autres couleurs qui servirent peut-être à impressionner l'ennemi, sous forme de peinture de guerre ou de signe de reconnaissance d'une tribu.

Cette technique de maquillage primitif servait particulièrement de camouflage pour la chasse.

L’homme appliquait des pigments sur son corps pour affirmer son identité ainsi que l'appartenance à son groupe. Cette pratique picturale devient un instrument de transformation. Les dessins et les couleurs permettaient de définir un acte de rituelle.

La plupart des sociétés tribales ont pratiqué la peinture corporelle à l'aide d'argile ou de charbon. Utilisée le plus souvent durant les cérémonies, elle se pratique toujours dans certaines régions du globe comme l'Australie, les îles de l'océan Pacifique et certaines parties de l'Afrique.

Certaines tribus du sud-est utilisent les couleurs des peintures ainsi que les coiffures pour indiquer l’âge des hommes.

De l'Inde jusqu'au Maghreb, les femmes pratiquent une forme de peinture corporelle au henné lors de fêtes religieuses ou de mariages. Les décors au henné produisent des tons de l'orangé au noir.

La peinture corporelle revient en Occident à l'époque contemporaine ou elle est devenue objet de création. Art éphémère, le peintre crée une œuvre sur son modèle, ce fut sans doute le premier geste ornemental de l’humanité.

La modernisation :

Suite à la libération sexuelle des années 1960, le corps est devenu le sujet d’un grand nombre d'artistes plasticiens, vidéastes, dont le médium d'expression le plus abouti, voire le plus extrême, a été la performance, à travers l'art corporel.

Dans les années 1970, l'artiste américano-cubaine Ana Mendieta imprime son corps dans le sol dans le but de se battre contre les violences faite aux femmes. Dans la série Arbol de la Vida (arbre de vie), elle couvre son corps nu de boue et pose contre un arbre.

Au cours des années 1969, on peut citer le Peintre Nato , dont la particularité est de réaliser des performances nu avec ses « modèles », mais dont tous les corps sortent absolument indemnes et où la violence n'est que visuelle.

L’unique violence que nous retrouvons dans ses performances est l'exhibition des corps nus et la mise en scène d'actes sexuels.

Autour des années 1970, agissant souvent comme un faisceau d'actions artistiques, politiques et parfois subversives, une partie des artistes d'art corporel explorent des pratiques parfois violentes et/ou sadomasochistes, en suscitant parfois les réactions négatives du public.

Avec Shoot (1971), Chris Burden se fait tirer dans le bras par un assistant. En 1975, Carolee Schneemann sort un rouleau de papier de son vagin dans sa performance Interior Scroll. La Messe pour un corps, de Michel Journiac met en scène l'artiste et le boudin produit avec son propre sang. Gina Pane met en scène son corps dans sa dimension non neutre et allégorique, à la fois ludique et fragile, où les violences qu'elle s'inflige sont destinées à susciter une communication avec le sub conscient du spectateur.

L’on retrouve aussi l'emploi de l'automutilation poussé à l'extrême comme chez David Wojnarowicz (qui s'est cousu les lèvres) ou encore Marina Abramović.

Le caractère des scarifications et tatouages conditionne leur usage, qui se distingue radicalement de celui de la peinture corporelle. Celle-ci rappelle l’idée fixée dans un passé glorieux que les prémisses d’une identité à conquérir. Le caractère maniable de la peinture permet son renouvellement autant de fois qu’on le souhaite.

Si la mode contemporaine affaiblit les significations de la peinture corporelle et la désacralise pour la réduire à une manière comme une autre d’embellir le corps, il serait dommage de limiter sa pratique actuelle à ces seules fonctions.

Retenons le musicien nigérian Fela Anikulapo Kuti (1938-1997) qui exprima à travers sa musique et ses peintures tribales sa contestation auprès des autorités morales et politiques de son pays.

Ainsi que la démarche artistique de Fela permet de comprendre le rapprochement avec l’art, la peinture corporelle et le discours des luttes contre toutes sortes d’oppressions auprès des artistes.

Le corps “identité” devient un corps -discours.

Au delà de la douleur simple, les artistes ont voulu explorer les pulsions des hommes.

Les pulsions sexuelles se mêlent à la pulsion de vie et de mort. Allant l’un vers l'autre est retenu par la pudeur et l’agression, la violence et l’amour tel que le montre un artiste écartelé et s’assumant en tant qu’humain créatif. Le combat intérieur laisse indemnes les corps physiques mais rarement le psychisme des spectateurs.

Apres la volonté de décloisonnement des catégories artistiques et de renversement des valeurs bourgeoises, le mouvement a progressivement évolué vers des œuvres plus orientées vers les mythologies personnelles.

Aujourd’hui la peinture corporelle telle qu’elle est pratiquée dans les sociétés occidentales à un but ludique et ornementale. Son caractère spectaculaire en fait une activité événementielle très prisée.

Le côté « ni nu, ni habillé » du modèle permet de créer une nouvelle forme de toile, mais aussi une exposition du corps : on voit très fréquemment des modèles « habillés » de vêtements en trompe-l’œil.

Cet aspect permet ainsi à des personnes presqu'entièrement nues de circuler dans des lieux publics en ne provoquant la pudeur des mœurs de la population.

Les principaux thèmes utilisés sont :

- Le thème animalier: les modèles sont transformés en félins. Lorsque d'autres animaux apparaissent, ils sont le plus souvent intégrés dans un décor peint sur la peau du modèle.

- Le thème fantastique : des créatures multicolores, écaillées, pourvues d'ailes, d'antennes, de griffes parcourent les festivals dédiés à la science fiction.

- Le camouflage : le corps est intégré à son environnement, arbres, papier peint ou murs décrépits.

On notera enfin la popularité croissante des « tatouages éphémères » qui sont de plus petite tailles. Ils s'appliquent en des endroits choisis, biceps, cheville, reins, par exemple, et reprennent les motifs populaires des vrais tatouages, tout en étant moins douloureux, moins onéreux, et bien sûr, non définitifs !

Le tatouage contemporain se réfère à une histoire individuelle, ou à celle d'un groupe restreint. Il véhicule une certaine forme de communication mai aussi un certain besoin de rechercher son identité.
Le tatouage du marginal renvoie au corps propre, le tatouage du primitif renvoie au corps social.
La signification attribuée aux tatouages dans le monde moderne, s'est modifiée en raison des transformations des normes qui régissent le rapport au corps et des changements des marques socialement requises. Le tatouage n'a plus fait partie, au cours des dernières décennies, des exigences d'incorporation sociale, le mouvement allant vers l'usage de marques non-permanentes.

C'est ce qui peut inciter certaines personnes à considérer la réelle violence physique qu'imposent les marques permanentes comme une pratique strictement mutilatrice et voir même «sauvage», entendu ici au sens de barbare. Cette perception est aggravée du fait de son apparente gratuité.

Toutefois, bien qu'il soit corrélatif à un désir souvent affirmé de marginalisation et malgré l'absence d'un large support social, le tatouage agit néanmoins comme une carte d'affiliation, il soude les relations à l'intérieur des groupes qui le valorisent et ce, même si ces groupes sont très restreints, ce qui l'inscrit dans le réseau complexe de la communication des identités.
Si la fonction rituelle du tatouage est plus manifeste lorsque sa pratique est soutenue par une collectivité homogène, sa pratique contemporaine, plus n'évacue pas pour autant cette fonction qui n'est pas exclusivement tributaire de l'adhésion collective.

La performance piercing, quoique de plus en plus vue et réalisée, reste une pratique artistique du milieu underground assez mal vue par la plupart des gens et en marge de la société. Elle consiste à exécuter, devant un public ou non, des piercings de façon éphémère (on réalise un ou plusieurs piercings que l’on prend souvent en photo avant de les enlever). Ces performances peuvent s’exécuter de façon théâtrale ou non.

Les performers piercing sont aussi le plus souvent adeptes de la modification corporelle et réalisent un travail sur eux-mêmes pour allier l’esprit au corps.

On peut voir un rapprochement entre performance piercing et art corporel. En effet, ces performances se réalisent toujours sur et avec le corps contrairement à d’autres arts corporels.

Ce n’est pas un acte qui dénonce mais au contraire une action qui tente à aller au plus loin que la vision actuelle de son corps : on repousse ses limites corporelles.

En réalité, la performance piercing peut être considérée comme une modification corporelle, mais elle se doit en tant que performance d'être éphémère. C’est pourquoi on ne réalise généralement pas une performance piercing en anesthésiant son corps. L’artiste doit ressentir pour savoir s’il a réussi à aller plus loin que la fois précédente.

L'art corporel tout catégorie confondue est désormais un médium identifié et couramment employé par les plasticiens contemporains, mais également dans d'autres occasions sociales, ou son impact symbolique est largement valorisé.

Les grandes figures du Body Art.

Aujourd’hui, l’art corporel s’est dirigé vers la mythologie personnelle de l’artiste. Ce sont des artistes généralement pluridisciplinaires qui utilisent un vaste choix de supports et de matériaux. On retrouve des travaux essentiellement réalisés sur la relation au corps et les limites de la condition humaine.

Voici quelques artistes que l’on peut retrouver aujourd’hui :

§ Jana Sterbak, qui, dans son œuvre, réalise des formes mythiques réinventées avec l’art contemporain.

§ ORLAN s’exprime à travers plusieurs type de média, elle est l’une des premières à subir de la chirurgie pour s’exprimer, elle et son art.

§ Lauranne, elle, revendique le corps comme partie de soi et veut dépasser la représentation « morte » en montrant la vie du corps (la transpiration, les poils, les odeurs…).

§ Youri Messen-Jaschin est un artiste qui, par ses œuvres qui imposent une déprogrammation du mental, veut établir un changement de l’homme par le spectateur, il ne se change pas lui-même, mais veut changer la manière de faire du public par ses réalisations.

§ Fakir Musafar est, a 75 ans passé, à la fois un ancêtre et un pionnier de la body modification. Il a souhaité dans ses performances « atteindre l’esprit par le corps ».

§ Steeve Harwoth est aussi un pionnier de cette pratique. C'est lui qui a mis au point l'implant sous-cutané et transdermique. Il est considéré par Lukas Zpira comme l'un des pères du body-hactivism.

§ Samppa Von Cyborg est aussi un pionnier de la « bod-mod ». C’est l’inventeur du « flesh stapling » : l’agrafage de peau.

§ TSD (traumatic stress discipline) est un collectif de personnes pratiquant les suspensions. Ils font de la recherche et du développement d'équipement de suspension, réalisent des techniques, des protocoles et diffusent des informations et une éthique concernant ces pratiques.

§ Pain tribe est un groupe de performers étant dans une démarche proche des fakirs (lits de lames ou de verres, actes insectivores...).

§ La toupie désaxée est un collectif d’artiste, une troupe particulière qui réalise des performances piercing en y alliant toutes formes d’art comme la danse ou la musique.

Synthèse et explication du processus de recherche.

C’est par intérêt et envie d’explorer mais aussi de faire découvrir le monde de la body modification que j’ai entrepris mes recherches.

Effectivement, faisant partie de ce monde de performeur il m’a été facile d’effectuer des recherches dans les divers supports que j’avais à disposition.

Ma recherche personnelle sur le sujet dure depuis quelques années déjà. Cette recherche au départ n’était qu’un moyen pour moi de me tenir d’actualité vis-à-vis de ce mouvement culturel mais aussi de connaitre ses origines.

C’est en basant mes recherches sur des thèses et livres parlant du sujet depuis le néolithique qu’une bonne partie de ma recherche s’est effectué.

Via des livres de croyance tels que La Bible, j’ai pu retrouver les passages qui me renseignèrent sur l’utilisation des modifications corporelle au temps de l’écriture de celle-ci.

Grace à mes anciens cours magistraux d’Histoire de l’Art et d’Histoire du Costume, j’ai pu introduire mes connaissances personnelles reliées à celles des livres loués à la bibliothèque de l’UQAM accompagné à ceux de la Bibliothèque Nationale.

Enfin, quelques articles sortit des archives de critiques d’arts et de magasines portant sur le sujet comblèrent les quelques lacunes que je possédais sur le sujet.

Pour terminer ma recherche mais aussi ma culture personnelle, j’ai visionné des vidéos (qui n’apparaissent pas dans la bibliographie) qui ont été réalisé par des performeurs. Les vidéos visionnées proviennent pour la plupart de la vidéothèque de l’UQAM. Quand aux autres, elles proviennent de diverses sources internet.

Conclusion.

Le « body art » est donc un art qui s’étend depuis des millénaires sur notre planète. Les artistes contemporains ont su s’adapter à un courant artistique qu’ils transformèrent en une pratique contemporaine.

C’est en utilisant celle-ci qu’ils mirent en avant leurs contestations et leurs idées.

[1] Curviligne : Formé par des lignes courbes.

[2] Mursi : tribu d’Etiopie

Bibliographies

· Man Ray ; Musées de Marseille. MAC, galeries contemporaines ; Musée de la mode. ; Réunion des musées nationaux (France) , (1996), L'art au corps le corps exposé de Man Ray à nos jours, Marseille Musées de Marseille, Paris Editions de la Réunion des musées nationaux

· Amelia Jones ; Stephenson, Andrew ; MyiLibrary (Service en ligne), (1999), Performing the body/performing the text, London ; New York : Routledge

· Orlan, (2000), Orlan [ressource électronique] : monographie multimédia = multimedia monograph, Paris : Jériko

· Tracey Warr éd. ; Amelia Jones , (2000),The artist's body, London Phaidon

· Mariarita Macchiavelli, (2001), Body Art, Paris : Plume

· Robert Alter 1935- trad., (1996), Genesis, New York W. W. Norton

· Jane Blocker, (2004), What the body cost : desire, history, and performance, Minneapolis : University of Minnesota Press

· Claudia Pantellini ; Peter Stohler ; Museum Bellerive Zürich. ; Musée de design et d'arts appliqués contemporains, (2004) , Body extensions : art, photography, film, comic, fashion ; [anlässlich der Ausstellung, "Body Extensions. Wie wir den Körper erweitern", Museum Bellerive, Zürich: 6. Februar - 9. Mai 2004 ; mudac (Musee de design et d'art appliques contemporains), Lausanne: 20 octobre 2004-30 Janvier 2005] , Stuttgart : Arnoldsche

· Jean-Olivier Majastre, (2008), L'art, le corps, le désir : cheminements anthropologiques, Collections : Logiques sociales

· Michael Atkinson, (2008), Tattooed [ressource électronique] : the sociogenesis of a body art, Toronto : University of Toronto Press

· Musée Australien du Body Art,(2009), http://bodyart.australianmuseum.net.au

· (2010), L'Art corporel - critique - sociologique : le "contrat social" de l'art (ressource en ligne : http://www.archivesdelacritiquedart.org/files/artitudes/209-216.pdf ), Archive de la critique d’art

· (2010), Dictionnaire en ligne, Larousse

[Histoire de l'art] L'atelier de l'artiste.

2011-12-03T18:22:00.000-08:00

L'atelier.

Forme contemporain de l'art engagé.

Pour en finir avec le mythe de l'artiste politique.

59-68.

Type de représentation de l'atelier, du 18éme siècle. Mythes autour de la bohème.

On avait vu en début de session les peintres troubadours avec ce type de peinture qui faisait partit du mouvement de l'historicisme. Artistes anciens qui vont représentés les passages d'une vie d'un troubadours.

L'atelier devient un sujet historique au 19éme siècle. La représentation de l'atelier avec des figures comme Rembrandt, l'artiste représentait dans un discours particulier sur son travail et sa pratique.

L'atelier est un thème connu.

Au 19éme va se dérouler cette forme de représentation, mythes sur l'atelier d'artiste. Au 19éme il y aura une nouvelle aura donné à l'atelier qui devient une sorte de sanctuaire. Il va y avoir énormément de description d'atelier, ce qui était rarement le cas avant.

Les toiles de Bouanais avaient déjà ses principes de cénacles avec des représentations.

Ici le peintre nous montre clairement l'atelier comme un lieu de réunion presque mondain. C'est toute cette période qui va se rapprocher au 19éme siècle avec ces cénacles. Cafés d'artistes, cercles politiques etc.

On sent un certain raffinement dans les toiles de Boucanais.

Fin 18éme début du 19éme, un nouveau genre apparaitra : l'atelier journalistique. il y aura de nouveaux enjeux. Si l'on regarde la mise en valeur de la pratique artistique des femmes l'on retrouve ce même genre de cénacles privés. On verra les nouveaux enjeux, on passera de ce lieu privé a un espace public.

Impasse du salon, forme obligatoire. Considéré qu'il fallait encore passer par le salon pour avoir une forme de reconnaissance, cette impasse est remise en question.

Les nouveaux systèmes des marchants et galeries.

Nouveau foisonnement de l'économie de l'art passera aussi par l'atelier.

Avant de passer par des lieux d'expositions, l'atelier va devenir un espace public, les marchands et vendeurs de métiers d'art vont se rendre de manière assidue dans les ateliers d'artistes.

Si l'exposition participe a une reconnaissance sociale de l'artiste, l'atelier va aussi jouer dans ce sens. Le statut social va aussi passer par l'atelier.

L'une des fonctions essentielles est son accès progressif à l'espace public. Les artistes vont se mettre a exposer dans les ateliers. Non seulement les critiques d'arts, les marchands vont venir dans les ateliers mais les artistes y exposeront.

Une fréquentation nouvelle qui sera l’enjeu de regroupement. Appartenance à un cénacle.

L'artiste adopte son espace, il la réserve a une catégorie sociale particulière. Le travail en atelier renvoi directement a sa spécificité. Il n'est plus seul dans son espace de travail. Il adopte une position singulière et une catégorie de travail particulière. L'atelier revoit directement à un mode de vie à la spécificité de leurs professions.

En aménageant un lieu précis pour sa pratique, l’individu se définit comme artiste.

Avec les romans français de l'époque l'on a une vue géographique des ateliers de l'artiste.

Les ateliers vont se développer dans de nouveaux quartiers, le 9éme arrondissement que l'on appelle la nouvelle Athènes.

Cette nouvelle Athènes va être occupé par des peintres officiels puis par des espaces communautaires qui allaient avec le thermes de la bohème.

L'atelier a l'espace de la société artistique. Fréquentation des ateliers qui sont ouvert à tout le monde. Ils étaient surtout l’enjeu de débat esthétique entre les artistes. Enjeux sociologique important qui se défie derrière le thème de l'atelier. On peut dire qu'autour de l'artiste c'est un cénacles qui va se regrouper pour discuter, théorisé. Idée comme un espace de sociabilités.

Exemple assez connu, l'atelier de Basille.

Il faut être bien habillé pour recevoir les marchands. Espace ouvert et minimalistes.

Ce n'est pas un discours sur la création artistique. Il y a de grandes différences sur ses ateliers via l'attrait.

Un des plus grands manifestes, assez conséquents. Atelier typiques avec quartier de cette nouvelle Athènes. Les visiteurs ont changés par rapport a l'art. L'on est dans des contextes d'achats.

Type d'atelier avec un manifeste esthétique, idée de faire passer un discours. Peintre de nature morte. Portraitistes, Quentin Latour.

Il a peint l'atelier de Manet qu'il a renommé l'atelier des Batignolles. Endroit où vivait Manet et un certains nombres d'expressionnismes.

Q. Latour a représenté un cénacles avec un rassemblement de critiques d'arts et d'artistes, Manet est au milieu, il domine.

Principes des attitudes sobres, presque grave. Comme une volonté de faire passer ses personnages comme des personnalités sérieuses et respectables.

Témoignage de l'admiration dans les portraits. Manifeste esthétique et sorte d'auto commémoration. Ils font leurs publicités. Chacun posent pour la postérité. Ils affirment ses liens avec l'avant garde de l'époque, particulièrement dans le cas de manet qui fait figure de l'école.

Certains critiques d'arts vont considérablement défendre Manet.

Image plus intéressante pour l'époque, interprétation sur ce manifeste, discours a faire passer a travers ses toiles. Une allégorie dans la représentation sociale de l'époque.

6x3m, 1855. Décidé de présenter son œuvre dans une exposition personnelle.

Il souligne sur l'œuvre qu'il veut retracer a travers cette forme l'histoire morale et physique de son atelier. Il se confie a un critique d'art où il dit c'est la société dans son haut, dans son bas, dans son milieu. C'est ma manière de voir la société, dans son monde et dans sa passion.

Courbet.

Il va assigner une place particulière au lieu de l'artiste. il va se faire construire un pavillon a proximité du palais des beaux arts. Il va exposer cette œuvre la.

Il donne des informations: allégories réelle et manifeste esthétique. Contradiction dans ces paroles.

Allégorie réelle déterminant une phase de sa vie et d'un manifeste esthétique.

La figure dominante reste présente. Principe de l'inspiratrice, une emphase mise sur la représentation aigue. Mise aux pieds et grande valeurs. Autre toile derrière, un autre peintre peint une crucifixion. Modèle qui cause.

Courbet a considérablement codifié son image.

Double espace, celui qui travail, il se pose en artiste mais aussi en médiateur, acteur de l'art.

Rejet du système académique et se pose en tant qu'exposant avec ses deux espaces.

Artistes médiateurs qui réunit dans son atelier les différents acteurs de l'art, modèles, commanditaires, mécènes, critiques d'arts et amis.

Courbet parle de la transformation de l'atelier, espace privé devenu espace public. Il se libère du génie artistique à l’espace sociale. Travail complexe. C'est en même temps ce travail du lieu privé. De la concentration. Ce lieu qui va devenir ouvert pour devenir plus qu'un atelier, un lieu d'exposition.

Idée de l'atelier comme origine de l'œuvre, le projet s'analyse avant d'être exposé et en même temps, lieux d'exposition.

Représentation des poètes et musiciens

Baudelaire en train de lire. Différente classes sociales sont représentées.

Futurs acheteurs, commanditaires etc.

La représentation est claire au niveau de l'interprétation de l'atelier. Différents types sociaux, voir a gauche de l'artiste les œuvres que courbet dissimule : vivre de la mort. Exploiteur et empoilé.

Le discours de l'artiste serait représenté dans la partie où sa sœur a été reconnue.

On a véritablement un brouillage des genres. Comment on pourrait déterminer quel type de tableaux il s'agit. Dans la scène de genre. D'histoire, portrait et auto portrait. Signe délibéré chez courbet d'utiliser ce genre. Essentiels et opportunistes. Le format est absolument assez étonnant pour l'époque. le brouillage des genre est assez significatif.

Il y aurait dans cette toile un buste qui ferait référence à la tradition de l'enseignement de l'antiquité. Mannequin qui serait coulé. On reconnait en partie cette tradition dans ces cénacles.

Chez courbet il reste des principes de naturalismes. Ce travail de représenter est important.

Une sorte de manifeste assez étonnante dans ce travail chez courbet. Un miroir de l'artiste et en même temps de l'œuvre.

Importance de l'atelier, on représente celui-ci sans son artiste, l'on a un témoignage de la pratique. Chez les allemands il reste toujours une aura assez mystique, lumière qui fait l’évidence. D'autres exemples, principalement oraux avec le thème de la muse, du modèle.

Deux exemples.

Expérimentation plutôt affective.

Le mythe de la bohème qualifiait une population de l'est. Il a été reprit par les artistes. On entend le thermes d'une vie de vagabond qui va être l'un des sens que l'on retrouvera chez les poètes au 19éme siècle.

Au 19, le mouvement se développera surtout à paris. Beaucoup d'écrivain en parleront. Baudelaire.

Henri Maugère, les scènes de la vie de bohème. Balzac, un prince de la bohème. Il reviendra dans plusieurs de ses ouvrages sur le sujet. Il va dire que la bohème et vit de tout ce qu'elle a. C'est surtout le roman d'Henri Murger qui donnera à la bohème ses lettres de noblesses.

L'on parle d'artiste bohème, plusieurs pendant, l'artiste dandy mais aussi l'autre versant plus difficile, l'artiste pauvre qui ne vit que pour son art.

Nathalie Harnisch s'arrêta longuement dans son ouvrage sur ce mythe. Elle souligne que la bohème se définit de 3 manières comme une expérience: imaginaires, symbolique et réel.

Discours et réalité dans la vie sociale des artistes. Le changement du statut d'artiste, une démocratisation de la profession, un très grand nombre d'artistes cherchèrent à trouver une place dans le Paris.

Il y a des facteurs institutionnels qui modifient cette profession d'artiste. Il y aura une concession autour de ce qu'elle appelle le régime vocationnel qu'elle implique dans la bohème. Elle définit comme une option aux normes du passés.

Opposition au niveau de la société bourgeoise.

Refus du monde, un investissement dans l'art, et l'inspiration a des privilèges liés a leurs singularités et l’individualité qu'ils vont revendiqués.

Distinction des classes sociales. Individualités revendiquées. A partir de cette dimension, le mythe de l'artiste maudit s'accordera avec celui de l'artiste bohème.

Régime vocationnel de la bohème, régit aux normes artistiques du passés mais avec des sujets actuels.

On a vu ce qui modifiera la profession des artistes au 19éme. Naissance du régime vocationnel, consensus des artistes qui vont trouver une position d'entre deux et qui va se définir a travers les normes et l'opposition aux normes du passés.

Remise en question des institutions. Refus du monde Bourgois et investissement dans leurs arts. Idée que l'artiste va travailler uniquement pour son art. Inspiration qui a des privilèges qui ne sont pas liés a une classe sociale mais a une singularité.

A partir de ce contexte réel va se forger le deuxième point de N. Harnisch.

L'imaginaire de la bohème.

Le chef d'œuvres inconnu de Balzac, ce mythe va se produire principalement a travers des écrits où l'on met en scène des artistes.

Il y a également un ouvrage des frères Goncourt, Salomon.

Le romand d'Henri murger, les scènes de la vie de bohèmes.

Il y a une construction qui s'établit sur le mythe de la bohème.

Il y a deux versants : enchantement et idéalisation. Désenchantement et réalisations.

Figure du dandy et celle que l'on voit actuellement.

Il y a toute une marge entre ces mythes.

Remise en question des points de N. Heinrich. Il y a tout un ensemble d'individus qui vont graviter autour de ce monde de la bohème.

Dernier versant, charge symbolique. D'un coté la place marginale de l'artiste avec l'enchantement et l'idéalisation et de l'autre cotés de désenchantement et résignations.

Dans les deux cas, dandy et bohème, l'on retrouve le régime vocationnel.

Principe de se démarquer. Le dandy qui va chercher a s'isoler dans une classe sociale re composée. L'artiste maudit lui créera une solidarité avec tout un ensemble de groupes

Robert Hubert, 1763 et 1765.

L'atelier

L'atelier de Houdon
1804

Louis Léopold Boilly

Réunion d'artistes dans l'atelier d'Isabey

[Bibliographie commentée] La femme et l'art

2011-12-03T18:14:00.001-08:00

Bibliographie commentée portant sur le thème la femme artiste et construction dʼun mythe féminin et/ou féministe.

L'étude de l'art de la femme est un thème particulièrement abordé pour les générations actuelles. Les enjeux sociaux politiques mais, aussi culturels ont fait que ces dernières 60 années furent une plateforme idéale au développement de ce mouvement. L'évolution de la pensée féminine en tant qu'individus ainsi qu'en tant que personnalité, a toujours été un sujet passionnant.

Le féminisme qu'il soit passif où actif a laissé de grandes traces dans la culture européenne. Il se retrouve dans mapratique etdans mes pensées.

Le texte qui m'a particulièrement inspirée pour mes recherches fut celui d'Anne Creissels. « Prêter son corps au mythe : le féminin et l'art contemporain ».

Mon investigation dans mes recherches s'est principalement basée à la bibliothèque de l'UQAM, puis à la bibliothèque nationale pour enfin trouver quelques articles en lignes sur internet.

Extrait du recueil de texte / Monographie:

Anne Creissels. « Prêter son corps au mythe : le féminin et l'art contemporain ». Collections : Les marches du temps . Paris : Le Félin-Kiron . 2009. 95p.

L'extrait du recueil de texte qui m'a inspiré est celui d'Anne Creissels « Prêter son corps au mythe : le féminin et l'art contemporain ». L'auteure parle de la représentation du mythe par l'utilisation du corps de la femme.

L'introduction de l'ouvrage suscite des questionnements par les nombreuses citations de représentation du corps de la femme à travers les siècles dans l'art. La singularité du questionnement de l'identité de la femme à travers des œuvres réalisées entre les années 1970 et le début du XXéme siècles participe à la réévaluation de la figure féminine dans l'art.

La neutralité sexuelle des œuvres sera elle aussi remise en question à travers les textes d'Anne Creissels. L'auteure parle d'un besoin de ré-interprétation de la figure mythique des femmes et du caractère sexuelle. Le déracinement volontaire des femmes artistes de l'époque, où l'obligation de devoir quitter leur pays, favorise un travail sur elles, mais aussi sur le féminisme. Les artistes femmes devenues plus sensibles aux discriminations découvrirent un support de protestation via l'art. Selon l'auteure les signes et symboles utilisés par ces femmes devinrent plus nuancés. L'iconographie connait alors un tournant.

Le déplacement des identités perturbe un système de pensées qui n'avaient encore jamais été contredit. Le mode d'interprétation et sa capacité à prendre une nouvelle forme via l'expression de femmes artistes et la réécriture des mythes féminins, contredit le caractère de l'idéologie des mythes vus, par les hommes.

Les liens qui résident dans l’enjeu du mythe promettent donc un renouveau. Ici Anne Creissels s’attaque à des idéaux et des habitudes dans l’art. Son introduction à son livre ne fait qu’interpeller le lecteur face à des promesses de rendre visible l’emprise sexuelle des œuvres d’arts. Anne Creissels qui débute son livre, n’hésite pas à parler des enjeux majeurs des perspectives du devenir du corps de la femme dans les arts contemporains.

Anne Creissels se questionne dans cette introduction. Les questions qu’elle pose vis-à-vis de l’inscription historique et de l’inconscient, des différences de sexe et des domaines d’arts et de mythe où encore la sexualité des mythes nous plonge dans un questionnement qui participe à l’intrigue du lecteur.

Ce n’est qu’en lisant la suite de cet extrait du recueil de texte que l’on obtient une réelle réponse… plus où moins interprété.

Monographie :

Rchilt, Heléna. Essai de Phela, Peggy. « Art et féminisme ». Edition Paperback | french. Phaidon. 2005. 304p.

Cet ouvrage édité par Phaïdon est à la fois un essaie théorique sur la pratique des femmes dans l’art et le rapport entre art et féminisme.

Il regroupe une série de productions issue de l’art des femmes depuis le début des années 1970.

Composé de trois parties, il reprend les grandes lignes mais aussi les plus grandes œuvres produites ces dernières années.

Cette double facette lui offre une grande lisibilité et une facilité d’accès non négligeable, pour aborder un thème à la fois complexe et fascinant.

Ce livre composé de trois parties bénéficie d’une grande lisibilité et facilite l’accès aux thèmes complexes du féminisme.

L'ouvrage débute donc avec un essaie écris par Peggy Phela sur le développement de la pensée du féminisme, de ses innovations à la fois théorique et pratique qui mélangeaient ce qui était du domaine public du domaine privé.

Ces innovations ont principalement attiré une réflexion sur la sexualité de la femme, les questions de rangs sociaux et de races. Ce nouveau dialogue entre l'artiste et le spectateur crée une cohésion parmi les artistes féministes, bien que celle-ci utilisent des plateformes d'expressions différentes.

La première partie de cet ouvrage nous explique donc les principaux buts du mouvement et divise en plusieurs catégories les idées et groupes qui formèrent se dit mouvement.

Peggy Phela divise donc la pensée féministe en trois catégories : le féminisme libéral, socialiste et radical.

La division de ces pensées qui par la suite sont expliquées permet au lecteur de mieux se situer vis-à-vis des œuvres d'arts qui seront présentées dans les prochains chapitres.

Enfin, l'essai qui comprend tout de même une partie des plus importantes dans l'ouverture de cet ouvrage, retrace non seulement les grandes œuvres faites par les féminismes de tout temps, mais il nous resitue historiquement parlant, dans le contexte vécut par ses femmes.

La seconde partie de l'ouvrage est composé d'une série de productions de l'art des femmes. La plupart de ces productions sont accompagnées d'un contexte historique où d'une citation de l'artiste vis-à-vis de son œuvre. Les œuvres sont aussi accompagnées d'une petite partie qui nous parle de l'artiste.

Lorsque l'on observe les productions présentées, l'on se rend compte que le féminisme est un art total. Il est innovateur de performance que ce soit en milieu dit de « galerie » qu'en vidéo. Beaucoup d'œuvres dont notamment des peintures où des ronds de bosses replacent la femme dans ce qui aurait dû être, selon les artistes, sa place originelle.

Enfin, la dernière partie du livre est composée d'un glossaire et d'une bibliographie. Ce glossaire reprend les noms des artistes qui apparaissent dans l'ouvrage. Il nous informe plus en profondeur vis-à-vis de l'artiste. Il reste toutefois intéressant pour approfondir le sujet.

Quant à la bibliographie, elle permet de se renseigner sur plus d'ouvrage.

En conclusion, « L’art et le féminisme » est le livre sur lequel j’ai basé mes recherches de lecture. Bon nombre de livre où d’article qui s’en suivent ont été trouvés grâce aux artistes et livres cités dans celui-ci.

Monographie :

Tucker, Marcia. Tickner, Lisa. Pollock, Griselda. Huhn, Rosi. Dubreil-Blondin, Nicole. « Féminisme, art et histoire de l’art. ». Collection espace de l’art. Ecole nationale supérieure de beaux arts. 1994. 146p.

« Féminisme, art et histoire de l’art. » est un ouvrage regroupant plusieurs textes de femmes faisant suite au colloque « Féminisme, art et histoire de l’art, çà, c’est une autre histoire ! ».Edité par l’Ensb-a ce recueil de texte se divise en 8 parties. Ici je ne m’intéresserai qu’au chapitre de Lisa Tickner, « Féminisme et histoire de l’art : une affaire à suivre » ainsi qu’à celui de Nicole Dubreuil-Blondin, « Spécificité féminine, spécificité de l’art : un couple à réconcilier ».

« Féminisme, art et histoire de l'art. » est un ouvrage regroupant plusieurs textes de femmes faisant suite au colloque « Féminisme, art et histoire de l'art, ça, c'est une autre histoire ! ». Edité par l'Ensb-a ce recueil de texte se divise en huit parties. Ici je ne m'intéresserai qu'au chapitre de Lisa Tickner, « Féminisme et histoire de l'art : une affaire à suivre » ainsi qu'à celui de Nicole Dubreuil-Blondin, « Spécificité féminine, spécificité de l'art : un couple à réconcilier ».

Le texte écrit par Lisa Tickner sur l'histoire de l'art et le féminisme met en relation la nécessité qu'à le mouvement de se dégager de ce qu'il a déjà été dit, écrit et relaté par les historiens d'arts masculins. Selon l'auteure, le féminisme se doit de remettre en cause les écrits antérieurs de l'histoire de l'art. Le mouvement se devant être interdisciplinaire doit s'ancrer et se créer sa propre histoire. Cependant, elle ne doit pas oublier l'histoire de l'art antérieure à leur apparition en tant qu'artiste.

Lisa Tickner commente alors la création d'un langage de représentation bien particulier à l'art féministe. Elle met l'accent sur la différence de l'interpellation des oeuvres crées par des artistes femmes. La différence de la perception entre homme-femme apparait aux yeux des spectateurs. La perception du genre est déterminée par l'observation des oeuvres.

Par la suite, l’auteur prend en considération le rôle de la femme dans le langage de l’histoire de l’art. Lisa Tickner nous explique comment la femme est devenue une menace pour l’homme. Cette polémique utilisée de manière particulière crée un questionnement sur la pensée de la femme lorsque celle-ci est face à une œuvre. La place de la femme dans les œuvres, en tant que muse est alors questionnée. L’auteure parle de l’homme ayant besoin de l’image féminine pour se rendre plus grand. De là, L. Tickner parle de la production féministe comme un produit ayant de nouveaux besoins et savoir.

Elle clôture son texte en citant Teresa Billington-Creig et en nous informant que l’histoire de l’art féministe ne fait que commencer.

Le second texte dont je ferai le résumé ici est de Nicole Dubreuil-Blondin. Celui-ci débute avec une anecdote, une idée de base antiféministe. Ce récit est ancré dans notre époque. Il nous parle de la réaction de la gente masculine face à l’émergence de ce mouvement qui devient de plus en plus important dans notre société.

Les enjeux entre les rapports des deux sexes vis-à-vis d'une démarche toujours formulées au masculin sont remis en question. Ce questionnement sur l'approche et les paradigmes du féminisme via une esthétique picturale des œuvres modifient l'éthique de l'art contemporain. Les représentations deviennent une surface s'affirmant comme tel. Les fondements de la représentation sont abandonnés au détriment de l'expérience du spectateur.

L'auteure qui parle de l'âge d'or de la peinture n'oublie pas de mentionner qu'il est improbable pour ce monde de femme d'ancrer un corps étranger. L'on nous explique qu'à présent les œuvres sont composées de représentations de la femme via des symboles ancré dans les mythes : la nature, le don de donner la vie etc. La théorie de la représentation féministe évolue donc en une prise de pouvoir des femmes. N.Dubreuil-Blondin par des exemples divers démontres que l'art des femmes établit des croisements avec la représentation des œuvres masculines.

Le féminisme pour l'auteure s'est positionné en opposé aux œuvres masculines. Le mouvement utilise des relations entre les rapports de sexes, l'histoire personnelles des artistes et l'histoire de l'art.

Selon N.Dubreuil-Blondin, le féminisme utilise ses propres mythes pour se créer.

Article de périodique :

Grez, Emmanuel. « Mon œil Regard masculin sur quelques liens entre art et féminisme ». Revue Quasimodo, N°5 Art à contre-corps (1999). En ligne. http://www.revue-quasimodo.org/PDFs/5%20-%20Grez%20Art%20Feminisme.pdf Consulté le jeudi 27 octobre 2011.

L'article d'Emmanuel Grez démarque de mes autres lectures. L'auteur est un homme qui retrace et résume la pensée des femmes plus que du féminisme.

Il interpelle en nous donnant son avis d'homme. Le journaliste n'hésite pas à parler du fait que l'homme essaie de comprendre et de parler de l'art de femmes. Cependant, Emmanuel Grez n'hésite pas à dénigrer les hommes : «Une fois de plus, l’homme regarde, essaie de comprendre, fait mine de savoir, explique et parle. » P77.

Le rôle social de l'homme, l'importance de la violence dans l'éducation de ceux-ci et leurs idéologies sont remises en cause par un discours porté par les revendications des femmes : « Viols, violences, avortement, sexualités, travail domestique, etc. : le corps est bien au centre de la plupart des revendications féministes,[…] » P.79

L'oppression des femmes se ressentent dans la chair alors que leurs discours parlent de leurs ressentie. Lorsque ces femmes parlent en public, qu'elles abolissent leurs tabous pour parler de leurs expériences elles choquent : « Que des femmes utilisent leur corps, le mettent à nu, alors qu’aucun homme ne le leur a « demandé », ce n’est pas très nor-mâle, ce n’est pas très naturel. […] c’est le regard masculin qui est bousculé, c’est-à-dire l’ordre dominant relationnel »P.79-81

Les interventions des femmes, tel qu'elle soit dérange les hommes. Les différences de pouvoir entre les rapports hommes-femmes sont principalement dues aux relations sexuelles de ceux-ci. Le dominé et le dominant prennent une tout autre vision lorsqu'ils sont mis en relations avec les pensées des femmes.

La construction du regard de l'homme sur la femme avait toujours été de les rendre belles à leurs yeux. Plus attirante sur un plan sexuel. Emmanuel Grez n'hésite pas à signaler avec humour que le corps féminin semble inspirer la femme bien plus que l'homme. Elles cherchent à exprimer un sentiment et à le faire comprendre à l'homme.

Les femmes veulent démontrer à leurs « dominants » qu'elles peuvent se passer d'eux : « Il s’agit ici simplement d’affirmer que (le corps de) la femme existe aussi sans le regard de l’homme, même dans une perspective sexuelle. » P.79

Non sans une touche humoristique, le journaliste continue son article en parlant de l’affirmation sexuelle de la femme. Selon lui, le féminisme est un courant qui a toujours mis en avant le corps de celle-ci dans ses revendications.

Il continue en nous affirmant que ce qui fait d’une femme ce qu’elle est, est bel et bien son corps. C’est avec cette affirmation qu’il poussera la stigmatisation plus loin en réduisant la vision de la femme à son corps. Quand la femme utilise son corps en exécutant des gestes qui bousculent l’ordre dominant relationnel, elle choque et gène le regard de l’homme.

Regard qui crée une connexion, contrôle celle-ci peut aussi exprimer la peur face au mouvement radicale du féminisme. Selon Emmanuel Grez, c’est cette peur qui alimente l’art dit féministe. L’attaque de l’image par celle-ci ne leur laisse que peu de place pour s’exprimer dans leur pratique artistique.

L’homme est partout, il domine l’espace et l’art. La femme, elle, doit le conquérir.

Article de site internet :

Anne Creissels, « Le féminin, le féminisme et “elles” ». Coll. du Centre Georges Pompidou. Elle @ pompidou, blog. Mise en ligne le Lundi 26 avril 2010. http://elles.centrepompidou.fr/blog/?p=760 . Consulté le 28 octobre 2011.

Le dernier article que je présente ici est tiré du blog de l’exposition Elle @ Pompidou qui fut donné à partir du 29 mai 2009 au 21 février 2011. Cette exposition que j’ai visitée à plusieurs reprises avait pour but de changer d’artiste et de thèmes d’art féminin tout les 6 mois.

Ici, j’ai de nouveau décidé de prendre un texte d’Anne Creissels qui écrivit un article pour le blog de l’exposition du site de Pompidou.

L’article écrit par Anne Creissels entre ici dans un questionnement vis-à-vis des productions artistiques de la femme. Parce que la femme fait de l’art est-elle réellement une féministe ? Une exposition d’art de la femme parle-t-elle forcément des propos que l’on rattache au discours des féministes tels que les guerrila girls ? « Et on peut exposer les œuvres des artistes femmes de la collection dans une perspective qui ne soit pas féministe. Tout cela est vrai et mérite sans doute d’être souligné. Femme, féminin, féministe : les termes ne se recoupent pas forcément »

C’est en débutant donc sur la réponse de ces questionnements qu’Anne Creissels commente l’absence des femmes dans l’histoire de l’art et de la domination masculine dans ce monde jusqu’aux années 70 : « De l’histoire de l’art, les femmes sont en effet quasi absentes : force est de constater que la figure de l’artiste est presque exclusivement masculine - et ce, jusqu’au dernier tiers du XXe siècle.

C’est de ce constat d’une massive domination masculine que découle, dans les années 70, l’attention nouvelle portée aux artistes femmes […]»

C’est donc sous une nouvelle tutelle de l’art que l’auteure de cet article nous emporte, constatant alors certains faits, comme celui de voir apparaitre une banalisation de l’artiste « femme » dans les années 70, une peur du féminisme dans certain pays tels que la France mais aussi une montée importante de ce mouvement aux Etats-Unis.

Bien que la banalisation de la femme dans le monde de l’art en devient presque lassante, Anne Creissels ne manque pas de signaler qu’« Un rapide survol de l’art des 40 dernières années permet en outre de constater que la situation, comme dans tous les domaines liés au pouvoir, est encore loin d’être égalitaire. »

Anne Creisseils qui n’hésite pas à parler d’universalité de l’indifférence du sexe masculin vis-à-vis de l’accès au monde de l’art et du pouvoir, mentionne que qui qu’on que à accès à l’art peut diffuser ses idées à travers ses productions. « Le prétendu « manque de génie » censé expliquer l’absence de grandes artistes est, à cet égard, l’argument fallacieux visant à masquer une entreprise d’éviction des femmes des domaines liés au pouvoir »

« « elles@centrepompidou » pousse à réfléchir aux écueils mais aussi aux enjeux d’une association entre art et féminisme.» Association qui en France, n’a jamais été réellement liés due aux peurs des femmes artistes d’être catalogué de féministe et donc de perdre toutes chances d’exposition, hésitant alors à parler d’un art féminin et d’un art masculin.

C’est en clôturant son article que l’auteure de celui-ci pose une réévaluation du discours de l’exposition qui fut donné au centre Pompidou : « Une œuvre est-elle en soi féminine, féministe ? Une artiste féministe produit-elle nécessairement des œuvres féministes ? Une artiste qui se défend d’être féministe peut-elle produire des œuvres féministes ? Le féminin est-il une condition ? Le féminisme est-il un état ? »

[Projet artistique] L'artiste imaginaire.

2011-11-26T18:05:00.000-08:00

Lors de la dernière exposition du musée des beaux arts de Paris (ENSBA), l’artiste Faith revint sur ses débuts de carrière lors d’une conférence dédiée à la femme dans l’art.

Retour sur les débuts de carrière de l’artiste.

Faith débuta sa carrière d’artiste par hasard. Tout avait débuté avec un appareil photo offert par l’un de ses amis pour son anniversaire. Comme n’importe qui, elle prenait ce qui lui plaisait en photos, vacances, anniversaires, photos de familles et bien d’autres.

Ce fut aussi totalement par hasard qu’elle se découvrit une certaine passion pour la photographie, utilisant alors ce support pour prendre en photos ses voisins à travers sa fenêtre, la nuit. Elle réalisa plusieurs séries sous le thème des voisins, accrochant les plus intéressantes au mur de sa chambre.

Cette série de photographie de nuit, d’espionnage de voisins plus précisément créa un déclic chez la jeune femme qui n’avait jamais eu l’attention d’exposer et de devenir artiste.

Elle eut l’envie d’agrandir ses photos pour en faire des réalisations plastiques.

Faith prit des cours du soir pour adultes afin d’apprendre à faire des moules en plâtre et a utiliser la résine. Après quelques cours, elle se renseigna sur les cours de maquillage d’effet spéciaux et appris à se servir du latex.

Avide d’en apprendre plus, elle se créa un site internet sous le nom d’Ivan Riddlehand où elle exposa ses sculptures. Créatrice d’exception de petites statuettes qui représentent les scénettes dans lesquels l’on retrouve ses voisins, Faith disparait sous un pseudonyme masculin cachant ainsi sa véritable identité.

Les statues et installations de l’artiste.

Les œuvres dans un début minimaliste puis monumental de l’artiste connurent rapidement un réel succès. Ces statuettes de 10 cm chacune où moins représentent des scènes de la vie, certaines mise en contraste avec les photographies sur lesquels Ivan s’était basé pour la création de celle-ci alors que d’autres scènes modifiées étaient mise en rapport avec des scènes qui provoquait un doute dans l’esprit du spectateur. L’observation était alors modifiée. L’on se demandait si la photographie était ce qu’il s’était passé avant où après la scénette présentée par les statuettes en résine.

Art accessible à tous, Ivan Riddlehand était à l’origine d’un mouvement qui permit aux classes moyennes et pauvres d’acheter et posséder ses œuvres. Il réussit à toucher un grand nombre de la population grâce à la générosité dont il faisait part en offrant aux visiteurs ses œuvres à la fin de chaque exposition.

Il exposa durant quelques années ce genre de scènes avant de se lasser et de passer à autre chose. Décidant alors d’explorer le médium qu’il utilisait d’une autre manière.

C’est en observant les passants dans la rue et plus particulièrement les couples amoureux où en disputes qu’il se découvrit de nouvelles idées, continuant alors de collectionner des photographies de disputes où d’amours, liant celles qu’il prenait dans la rue avec celle qu’il prenait de ses voisins.

Le besoin de découvrir autre chose se fit plus grand.

Ivan se mit alors à représenté ses voisins grandeurs natures dans le plus simple des appareils, laissant alors son imagination prendre le dessus. Les scènes crées alors furent plus poussées.

Le lien entre la nature et l’actualité commença à se faire ressentir. L’expérimentation de la miniature et de son obsession fut abandonnée pour se lancer dans des sujets de violences.

Ses représentations passèrent de simples scènes de vie aux scènes de violences dans les manifestations, les foyers et guerres. Concerné par les questions de comportements humains, Ivan Riddlehand questionna alors les visiteurs sur leurs propres visions du monde en les mettant face à la mort et la violence de celle-ci.

Policier frappant des manifestants, soldats tuant des civils, viols d’enfants, femmes battues. Tout un tas de séries grandeur nature installée dans des galeries et musées de manière réalistes, sans omettre les moindres détails qui poussèrent à la réflexion et l’indignation de certains comités en France.

Utilisant toujours les mêmes modèles, il se mit à se questionner sur la position de la femme dans ses œuvres mais aussi dans l’actualité, la violence, la consommation et la sexualité. Il abandonna l’utilisation de l’image de ses voisins pour utiliser la sienne. Se représentant en policier violent, en femme battue où en enfant victime de la guerre, ses réflexions s’orientèrent alors sur sa position en tant qu’artiste, en tant qu’être qui représente ce qu’il y a autour de lui.

Ce fut ce questionnement qui créa toute une polémique personnel dans son travail sur son identité en tant qu’artiste. Il se mit à créer des autoportraits grandeur nature. Questionnant alors les spectateurs sur l’identité de l’artiste et plus précisément sur son statut sexuel.

L’utilisation d’un pseudonyme et la démarche féministe.

Le questionnement de Faith pour sa propre identité dans son travail fut considéré comme féministe dès que l’on a su son statut social de femme.

Ce fut lors de sa première performance que l’on découvrit la véritable identité d’ Ivan Riddlehand. Celle-ci s’était présentée portant une moustache, un maquillage poussant à croire en son statut d’homme et un style vestimentaire allant avec.

Durant la présentation qu’elle faisait de son œuvre présentée ce jour-là, celle-ci s’était déshabillée et démaquillée pour se présentée nue. Son acte de se travestir fut beaucoup questionné par les professionnels du milieu. Etait-ce réellement un acte féministe ?

Ce qui passait pour et qui ne l’était pas, du moins tout au début, finis par le devenir.

En cachant son identité durant toutes ses années, l’artiste avait pour but de protéger sa vie, son identité si l’un de ses voisins advenait à découvrir qu’elle les espionnait mais aussi pour préserver sa famille qui la pensait toujours psychiatre.

Elle n’avait fait aucune intervention durant les présentations de ses travaux et avait jusqu’à présent toujours laissé ses agents, galeristes et directeurs de musées parlés pour elle.

Faith avait toujours réussit à rester loin des planches et avait facilement été considérée comme une artiste timide, effacée où mystérieuse liant ainsi son pseudonyme avec ironie : Riddlehand, mains mystérieuses.

Sa performance qui fut filmée et présentée tout le temps du salon devint un véritable outil pour les féministes. Une femme artiste peut réellement réussir en trompant son monde. Le fait que Faith ait cachée son identité et réussit en tant qu’homme avait prouvé aux yeux du monde artistique que la domination masculine dans le milieu était toujours aussi présente.

Mais alors, comment l’artiste a-t-elle réussit à continuer ses œuvres sans que l’on n’attribue à celle-ci des propos féministes ?

Tout simplement en se battant, en effectuant des collocs sur l’art et les propos féministes, la défavorisassions de la femme dans le monde de l’art et du travail.

Fait qui n’avait jusqu’à présent jamais eu de propos féministes a du faire face à certaines réalités et fermeture du monde de l’art du à son statut de femme artiste.

Bien qu’elle ait rencontré certaines difficultés depuis la révélation de son identité, l’artiste revient dans quelques mois avec sa nouvelle exposition : « Inside ».

Un peu de bibliographie.

Riddlehand, Ivan. 2006, «Mon étrange voisinage ». Paris : Le cherche Midi. 150p.

Riddlehand, Ivan. 2009, « Un peu de violence ». Paris : Gallimard. 239p.

Riddlehand, Ivan. 2010, « Evolution ». Paris : Le cherche Midi. 100p.

Riddlehand, Ivan. 2011. « La performance ». Catalogue d’exposition. Edition FIAC. 60p.

www.Riddlehand-Ivan.fr

[Projet artistique] Le concept du flou.

2011-11-09T13:27:00.000-08:00

Un sténopé est un dispositif optique très simple permettant d'obtenir un appareil photographique dérivé de la camera obscura. Il s'agit d'un trou de très faible diamètre. Par extension (un trou n'est pas un objectif), on appelle ainsi l'appareil photographique utilisant un tel dispositif.

[Projet artistique] Le doute. Octobre 2011. Acrylique

2011-10-30T12:12:00.000-07:00

Le doute. Chaque production d’artiste mérite son moment de doute.
Si l’on ne doute pas devant sa toile, c’est que la toile en elle-même n’a pas émergée de son support.
La production n’en n’est pas une tant que je ne doute pas dessus. Et lorsque le doute est à son comble, seulement je m’éloigne et j’observe mes traits de pinceaux.

Les coups de pinceaux de couleurs, tailles et formes différentes s’éparpille le long de la toile. De gauche à droite puis de droite à gauche. Certains coups seront plus marqué par des tas de peintures, d’autre le seront moins.
Lorsque l’attaque du long de la toile est terminé, je m’investis dans la hauteur. Ainsi, je répète mes gestes jusqu'à ce qu’enfin, je ressente le doute.
C’est ce doute qui me pousse à regarder, retoucher. Tremper les doigts dans la peinture et retoucher celle-ci avec plus de détails et plus de contact qu’avec un pinceau.

Accroupie autour de la toile. J’observe la peinture. Je réfléchis et laisse le doute s’installer.
Pourquoi ma toile a prise cette forme ? Pourquoi elle ne ressemble jamais à ce croquis qui me plaisait tant ? Pourquoi est-ce qu’elle me met dans cet état ?
Je l’abandonne dans un coin, la cache.
Jusqu’à ce qu’enfin, tout doute soit dissipé. C’est alors que la toile qui n’avait qu’une date se dote d’un nom et qu’elle retourne d’où elle venait. Cachée aux yeux du monde.

[Projet artistique] Un peu de modèle vivant!

2011-10-12T16:50:00.000-07:00

Juste quelques dessins fait lors d'un cours. Je ne suis vraiment pas douée pour ca! ^^

[Projet artistique] L'argentique

2011-10-10T08:52:00.000-07:00

Le terme « argentique » s’est répandu au début des années 2000 quand le besoin s'est fait sentir de distinguer la photographie classique, sur pellicule, d’une photographie dite « numérique » en plein essor. L'image inscrite sur la pellicule est en effet une reproduction analogue de ce qui est photographié alors que dans un appareil numérique, l'image est codée sous forme binaire.

Paris :

Everything else :

Août - Septembre - Octobre 2011

[Projet artistique] Mon concept de la photographie

2011-10-10T08:31:00.000-07:00

Toutes mes œuvres photographiques n'en seront pas tant qu'elles seront considérées comme œuvre. De là, tant qu'à avoir une définition, la production argentique n'aura de nom qu'essai où encore, recherche.

La recherche de l'œuvre ne se produit qu'en noir et blanc, elles ne passent pas en couleurs qu'au moment où j'en ai décidé autrement et quand bien même je n'en décide pas autrement et qu'elle reste tel que son original, l'œuvre ne pourra avoir la présomption d'en être une. Ce qui tient de la couleur dans mes réflexions est ce qui est de mature, ce qui a vécus. Mais pour obtenir une quelconque maturité dans la production, le style "noir et blanc" se doit de rester dans l'œil. La photographie où série parfaite ne sera que colorée par la suite.

Et quand bien même la perfection puisse exister à mes yeux elle ne sera que trouvable en noir et blanc. C'est donc devant la maturité de la couleur, qu'elle devra plier et accepter qu'elle ne sera et n'aura jamais son titre d'œuvre.

Elle restera toujours qu'une simple étude, une recherche.

[Projet artistique] La sérigraphie

2011-10-04T16:06:00.000-07:00

Connue depuis des temps immémoriaux, notamment au Japon où elle servait à imprimer les kimonos, la sérigraphie a d'abord été une technique d'impression pour les tissus (les soies à Lyon dès le XVe siècle).

La méthode en est extrêmement simple, il s'agit en fait d'un pochoir amélioré. On applique la couleur à travers un tissu fin(soie), dont la trame est obstruée à certains endroits pour que la couleur ne s'applique qu'aux endroits voulus sur le papier. On répète l'opération avec autant de couleurs que l'on souhaite, en changeant les zones d'obstruction du tissu. Chaque couleur est ainsi appliquée uniformément et séparément. Ainsi, couleur après couleur, l'œuvre se dessine.

La forte émigration chinoise vers les États-Unis au XIXème siècle marqua l’entrée de la sérigraphie dans l’ère moderne et favorisa son éclosion outre-Atlantique. L’engouement fut immédiat et la technique se modernisa, sous l’impulsion d’une industrie américaine très performante. Le racloir supplanta le rouleau pour l’application de l’encre et le Nylon fit oublier la soie en guise d’écran. Andy Warhol et Roy Lichtenstein s’adonnèrent sans modération à cette technique et lui donnèrent ses lettres de noblesse.

Lors de la Seconde Guerre mondiale, les soldats américains diffusèrent ce procédé très en vogue sur le continent européen. Chaque campement américain comportait un atelier de sérigraphie pour le marquage des véhicules militaires et la signalétique des camps. De nombreux artistes, dont Henri Matisse, furent séduits par ce nouveau mode d’expression. Les affiches sérigraphiques réalisées par les étudiants contestataires de mai 68 élevèrent cet art au rang de mythe.

À la fin des années 70, la sérigraphie demeure très présente dans de nombreuses productions et nous pouvons observer tous les jours des sérigraphies autour de nous : les panneaux signalétiques, les autocollants, les CD, les affiches de concert, les vêtements et le matériel industriel, entre autres, arborent des réalisations et motifs sérigraphiques. Cette technique peut être mise en œuvre sur papier, textile, circuit imprimé, verre, céramique, bois et métal et tous autres supports ou volumes à plat (formes géométriques régulières).

[Compte rendu] Jean-Pierre Gauthier

2011-09-29T14:47:00.001-07:00

Introduction.

Jean Pierre Gauthier, artiste d’installation et performeur, a fait ses études dans l’ancien programme d’arts visuels et médiatique de l’UQAM. Il est venu présenter son travail durant le cours AVM 2000.

L’artiste a commencé sa carrière en tant qu’artiste peintre, ses peintures ressemblaient d’or et déjà a des installations.

Ce sont ces installations que celui-ci nous a fait découvrir.

Les installations.

a) L’espace.

L’espace des galeries et des musées est utilisé de telles manières que l’on peut circuler dans celle-ci et, parfois, faire partie de son installation. Le fait que les œuvres prennent une place conséquente, voire étouffante, est quelque chose que j’apprécie. On se doit d’évoluer dans une atmosphère bien différente de beaucoup d’exposition. La masse de l’œuvre force les visiteurs à se faufiler, tourner et observer l’art d’une manière différente offrant une nouvelle dimension ludique. J’ai toujours apprécié l’art qui fait bouger et qui donne envie d’être touché.

Les câbles des installations de Jean Pierre Gauthier forment une forêt plus ou moins dense qui crée un sentiment de puissance bien qu’ils soient plus ou moins fragiles dans leurs mouvements à travers l’espace ou tout simplement, dans leurs représentations.

Enfin, j’apprécie l’utilisation du plafond et des recoins des espaces alloués à l’œuvre qui sont rarement utilisés par les artistes, ce que je trouve particulièrement dommage puisque l’homme n’a de cesse de regarder vers le ciel.

b) Le son

Le son des installations de Jean Pierre Gauthier sort directement d’un film fantastique, futuriste.

Le bruit, enregistré via des effets de forces de l’air, est tout simplement enchanteur ! Il me fait voyager et m’emmène dans des contrées lointaines : steppes, forêts, bords de mer ou orage en pleine campagne, il n’y a pas de limite dans ce que mes oreilles identifient.

Pour certains, les bruits aigus ne ressembleront à rien, tandis que pour moi, les oiseaux chantent. Les bruits sourds sont identifiables comme le bruit du vent ou d’un orage au loin, son que je préfère dans ceux qu’on rapporte à une identification « naturelle ». Enfin, en fermant les yeux, je suis capable de me retrouver dans ces endroits peu communs où le son des installations de l’artiste réussit à m’emmener.

c) La technologie

Les câbles, les puces, disques dur et enregistreurs visibles ne font que de rajouter au charme des réalisations de J-P Gauthier. J’apprécie ce coté « Matrix » qui apparait lorsqu’on observe ces veines sortir des murs et prendre possession de l’espace.

Les apparitions des outils de l’œuvre, de son cœur et de son âme ne font que donner plus de puissance dans l’envahissement des machines. Cette observation donne l’impression que câbles, puces et ballons ne veulent qu’une chose : envahir notre monde et prendre vie.

La technologie utilisée pour ces présentations prend totalement vie lorsque l’on se rend compte d’une chose : le facteur trouble est pris en compte. Le son diffère en fonction de l’oxygène dans la pièce. Plus il y aura de monde et plus le bruit véhiculé par le vent artificiel sera intense.

L’implication de celui qui observe l’œuvre est donc quelque chose que j’apprécie. La technologie qui veut non seulement prendre possession de notre terre veut aussi prendre possession de nous.

Ce rapport homme/technologie est un thème que j’apprécie grandement et qui n’est pas assez utilisé à mon gout.

Mes impressions et métaphores.

L’observation des installations de Jean-Pierre Gauthier résulte en un plongement dans un autre monde ou les machines, la technologie souhaite sortir de ses espaces et envahir tout l’espace possible. Les présentations des œuvres rendent l’espace de la galerie d’art minimale pour l’observation offrant une sensation de tassement du spectateur. Cette oppression de la chaire me projette dans une forêt dense qui se crée uniquement de câbles et matériel technologique (chemin type « Alice aux pays des merveilles » pour atterrir dans un autre monde). Il y a dans cette forêt dense toute une faune et une flore. Des oiseaux qui chantent, le vent qui souffle tout cela crée la découverte d’un nouveau monde. Un monde ou la nature a disparu pour laisser place au plastique et aux circuits imprimés.

Dans ce monde, tout peut prendre vie.

Les produits ménagés fous, se rapprochant de ceux du Chapelier d’ «Alice aux Pays des Merveilles », les danses des bâtons de balais qui volent dans les airs et tout autre objet qui chante ou crée un joyeux bordel.

Bien que ces objets prennent vie dans la faune de ce monde, ils restent aux yeux des humains, qui les ont crées, fragiles. Ils sont ensorcelés dans une danse ou leurs « membres» fragiles nous offrent le sentiment de protection envers ceux-ci.

Conclusion.

Les installations mouvantes, et qui prennent vie de l’artiste, m’ont réellement frappée de par leur fragilité, mais aussi par leurs techniques de réalisation.

Ces œuvres originales et interactives s’ajoutent a mon glossaire d’artiste à suivre et dont il est possible de s’inspirer. Ces réalisations pour le moins particulières ont touché mon esprit. Ce n’était pourtant pas la première fois que j’eue l’occasion de voir ces œuvres. J’avais déjà vu l’un de ses pianos dans une exposition et je ne rechignerai pas à me rendre à sa prochaine exposition.

Quelques liens :

https://sites.google.com/site/jpgauthiermachines/francais

site de l'artiste.

Quelques ouvres :